100 phim văn hóa đại chúng hàng đầu năm 2022

Hình tượng con khỉ đột trên các phương tiện đại chúng là sinh vật to lớn, mạnh mẽ, bệ vệ và đáng sợ

Hình tượng con khỉ đột (Gorilla) phổ biến trong văn hóa đại chúng ở thế giới phương Tây[1] và được phổ biến rộng rãi qua các phương tiện thông tin đại chúng như tiểu thuyết, phim ảnh, hoạt hình, truyện tranh, nói chung đều khắc khọa khỉ đột là một sinh vật đầy sức mạnh, hoang dã và còn khắc họa khỉ đột hành xử như người (ví dụ như ở Hành tinh khỉ). Kể từ khi được xã hội phương Tây chú ý vào những năm 1860[2], khỉ đột đã trở thành một yếu tố thường xuyên của nhiều khía cạnh trong văn hóa đại chúng và phương tiện truyền thông, khỉ đột đã xuất hiện nổi bật trong các bộ phim giả tưởng quái dị như King Kong khắc họa nên hình mẫu của một con khỉ đột khổng lồ. Ngoài ra, những câu chuyện viễn tưởng như Tarzan và Conan the Barbarian có đề cập đến khỉ đột là đối thủ đầy sức mạnh của các nhân vật chính.

Khỉ trở nên gần gũi hơn trong nền văn hóa đại chúng phương Tây qua hình tượng King Kong là con khỉ đột khổng lồ. Khỉ đột là loài sống trên mặt đất, chủ yếu là loài ăn lá, sống trong các khu rừng của Trung Phi. Chi eponym Gorilla được chia thành hai loài: khỉ đột phía Đông và khỉ đột phía Tây (cả hai đều cực kỳ nguy cấp) và bốn hoặc năm phân loài. Khỉ đột là loài linh trưởng lớn nhất còn sống trên hành tinh này. DNA của khỉ đột rất giống với người, từ 95–99% tùy thuộc vào những gì được đếm và chúng là họ hàng gần nhất còn sống tiếp theo với con người, sau tinh tinh và bonobo; gần hơn các loài vượn châu Á như đười ươi và vượn. Một nạn nhân của nạn phân biệt chủng tộc là bà Michelle Obama cũng từng bị ví von là khỉ đột[3].

Các loại hình[sửa | sửa mã nguồn]

Phim siêu thú cuồng nộ có con khỉ đột

• Tác phẩm văn học về khỉ đột nổi tiếng thì có Hành tinh khỉ là một tiểu thuyết do Pierre Boulle, xuất bản lần đầu vào năm 1963 bằng tiếng Pháp có tên là La Planète des Singes. Nghĩa của từ singe bao gồm cả "vượn" và "khỉ". Với "Hành tinh khỉ", Pierre Boulle muốn cảnh tỉnh con người bằng một câu chuyện mang tính triết lý và giáo dục. Những con khỉ trước kia vốn chịu sự chỉ đạo của con người thì nay chúng lại là chủ nhân của một xã hội văn minh, chi phối cuộc sống con người, do giống khỉ ham bắt chước, chịu động não. Trong tác phẩm này có vô số các con vật có hình dạng khỉ đột to khỏe.
• Donkey Kong hay DK (tạm dịch là "con khỉ ngu ngốc") là một một con vượn giả tưởng xuất hiện trong các loạt trò chơi Donkey Kong và Mario của Nintendo. Donkey Kong đã xuất hiện trong nhiều trò chơi cùng với người bạn Diddy Kong. Donkey Kong xuất hiện lần đầu với tư cách đối thủ đầu tiên của Mario trong trò chơi mang tên mình, được phát hành năm 1981. Kể từ đó, Donkey Kong đã đóng vai chính trong hàng loạt các trò chơi. Donkey Kong vẫn là một nhân vật nổi bật trong loạt game Mario, nổi bật ở Mario Kart, Mario Party. Là nhân vật phản diện của Mario, đặc biệt là trò chơi đối đầu Donkey Kong-Mario phát hành năm 2004[4], nhưng Donkey Kong vẫn là bạn thân của Mario.
• Trong tác phẩm truyện tranh Bảy viên ngọc rồng (Dragon Ball) thì nhân vật chính Son Goku và nhiều nhân vật của hành tinh Saiyans có khả năng độc nhất để biến thành những sinh vật khổng lồ giống khỉ đột được gọi là Khỉ đột khổng lồ (大猿, Ōzaru). Loài vượn là sự kết hợp của Khỉ mặt chó (cái đầu), khỉ đột (thân thể và các chi) và khỉ (cái đuôi, lưu ý rằng khỉ đột thì không có đuôi).
• Zoombies (2016): Một bộ phim do đạo diễn Glenn R. Miller, phim kể về một vườn thú ở Mỹ trong đó các con vật bị nhiễm một loại virus (do một con khỉ mũ lây lan) từ đó trở thành những xác sống và tấn công con người. Động vật đáng chú ý trong phim là một con khỉ đột (Cross River gorilla).
• Siêu thú cuồng nộ (2018), phim của đạo diễn Brad Peyton, kể về con khỉ đột tên George ở Vườn thú San Diego hít phải hóa chất, do ảnh hưởng của mầm bệnh, thân thể George càng lúc càng to lớn hơn với sức mạnh phi thường. Khi George lên đến đỉnh tòa nhà, con khỉ đột ăn thịt nữ ác cùng với thuốc giải, từ đó giúp George tỉnh táo lại rồi cho nó giết hai con quái vật còn lại. George đánh bại hai con quái vật. Trong lúc giao chiến với Lizzie-Một con cá sấu khổng lồ bị đột biến, George bị một thanh cốt thép đâm xuyên. George sau đó dùng thanh cốt thép đâm vào mắt Lizzie, giết chết nó.
• Gorillas in the Mist: The Story of Dian Fossey (1988), tạm dịch là Khỉ đột trong sương mù, là tên của một bộ phim Hollywood nổi tiếng nói về nhà nghiên cứu học, bà Dian Fossey, và sự cố gắng không ngừng nghỉ của bà trong quá trình nuôi dưỡng và che chở cho loài khỉ to đen Gorillas không bị tuyệt chủng ở Phi Châu. Phim cho thấy tận mắt những chú khỉ đen khổng lồ trong bề ngoài rất ghê tợn nhưng thật ra lại là những con thú hiền nhất.
• Nhà Điêu khắc Pháp là Emmanuel Frémiet dành huy chương chiến thắng năm 1887 với tác phẩm Con khỉ đột vác người đàn bà ("Gorille enlevant une Femme"), bức tượng này khắc họa cảnh con khỉ đột bắt đi một người đàn bà[5]

Khỉ đột trong truyện tranh (comic)

• Năm 1944, bộ phim hoạt họa Donald Duck có tập Donald Duck and the Gorilla, kể về một con khỉ đột có tên là Ajax đã thoát khỏi sở thú và khủng bố Donald Duck.
• Magilla Gorilla trong Hanna-Barbera
• Một con khỉ đột thông minh có tên là Grodd đã giải cứu nhân vật phản diện The Flash trong DC Comics và animated TV series Justice League và Justice League Unlimited.
• Bộ phim Tarzan & Jane năm 2002.
• Tarzan II năm 2005
• The Great Grape Ape Show
• Ingagi (1930)
• Tarzan the Ape Man (1932), có sự diễn xuất của Johnny Weissmuller.
• Murders in the Rue Morgue (1932) của Universal Pictures là bộ phim kinh dị dựa vào tác phẩm năm 1841 của Edgar Allan Poe.
• The Gorilla (1939), có sự tham gia của Ritz Brothers, Anita Louise, Lionel Atwill, và Bela Lugosi.
• Perils of Nyoka (1942)
• The Ape Man (1943).
• Nabonga (1944) có sự tham gia của Buster Crabbe và Julie London.
• White Pongo (1945), safari adventure yarn about fictional white ape.
• Mark of the Gorilla (1950)
• Bride of the Gorilla (1951) có sự diễn xuất của Raymond Burr
• Bela Lugosi Meets a Brooklyn Gorilla (1952)
• Robot Monster (1953)
• Spooks! (1953)
• Gorilla at Large (1954).
• The Bride and the Beast (1958).
• Kong Island, hay còn gọi là King of Kong Island (1968).
• Baby's Day Out (1994).
• Congo (1995).
• Tarzeena, Queen of Kong Island (2008) của đạo diễn Fred Olen Ray.
• Kong: Skull Island (2017) hay còn gọi là Kong: Đảo Đầu lâu được quay tại Việt Nam
• Ambum của Alice Cooper' có tên Constrictor (1994) có tựa đề "Thrill My Gorilla."[6]
• The Bonzo Dog Doo-Dah Band có liên quan đến ambum Gorilla
• Big Lizard in My Backyard (1985) có tựa đề "Gorilla Girl."[7]
• Ghostface Killah có bài hát tựa đề "Gorilla Hood" The Pretty Tony Collection Chapter 2 (2008)[8]

Hình tượng KingKong[sửa | sửa mã nguồn]

King Kong là một sản phẩm của văn hóa đại chúng Mỹ và có chỗ đứng lâu đời trong lịch sử điện ảnh Hollywood. Bắt đầu với phiên bản ra mắt năm 1933, Kong lần lượt được tái hiện sau nhiều phiên bản làm lại và song song, nó phản ánh một cách nhẹ nhàng hoặc sâu sắc tình hình chính trị và xã hội của nước Mỹ khi nó ra mắt. Phân biệt sắc tộc, khủng hoảng tài nguyên, mối lo hạt nhân. Sau bản King Kong 1976, Kong im tiếng khá lâu cho đến khi được Peter Jackson mang trở lại màn bạc vào năm 2005. Xây dựng Kong là một loài "chúa sơn lâm" với vẻ bên ngoài xù xì thô ráp nhưng bên trong lại nhạy cảm và trầm tư. Với kỹ xảo điện ảnh đột phá, cốt truyện ấm áp cùng diễn xuất của những diễn viên bộ phim đã để lại dấu ấn sâu đậm trong lòng khán giả.

Các nhà làm phim Hollywood thường khắc họa King Kong là một sản phẩm từ trí tưởng tượng là một con khỉ đột được phóng to thành khổng lồ leo trèo thoăn thoắt, nhảy chuyền qua những vách núi hàng vài chục mét giống như những con khỉ thông thường. Lần đầu tiên xuất hiện năm 1993, đến 2017, King Kong chuyển thể vẫn giữ nguyên bản chất là của một con khỉ đột phóng đại n lần. Nếu như ở phiên bản King Kong năm 2005, nó chỉ cao khoảng 8m tức gấp 7 lần kích thước bình thường của một con khỉ đột bình thường và gần 22 lần so với tinh tinh thông thường, thì năm 2017, vị vua Kong cao lên tới gần 30m gấp 20 lần chiều cao trung bình của 1 con khỉ đột trưởng thành mà vẫn đang trong tuổi phát triển theo tiết lộ của nhân vật trong phim.

Trong khi King Kong trong phim là một con khỉ đột cao 8m, nặng khoảng 20 tấn thì King Kong phiên bản năm 2017 nặng khoảng 1.400 tấn, theo tỷ lệ cơ thể, nó có thể nặng gấp 15.750 lần tinh tinh thông thường, tức là lớn hơn gần 16.000 lần so với tinh tinh (cá thể tinh tinh đầu đàn thường cao 1,2m và nặng tầm 90 kg), tay Kong có khả năng nâng vật nặng 2.100 tấn (tay tinh tinh khỏe gấp đôi tay người) dù ít khi dùng hàm để chiến đấu, hàm của Kong sẽ có sức mạnh tương đương 1.893 tấn gấp 835 lần cá sấu sông Nile, tức răng khỏe hơn cá sấu sông Nile 800 lần. Để giữ cơ thể vua Kong được vững vàng, đôi chân của nó khỏe gấp nhiều lần loại máy bay lớn nhất thế giới AN-225[9].

Có những điểm khác biệt cơ bản giữa "Kong: Skull Island" và "King Kong" (2005) của đạo diễn Peter Jackson. Vai trò của Kong được mở rộng hơn là các biểu tượng quái vật và một lần nữa Kong được mang trở về với màn ảnh rộng. Kong 2017 không còn tính độc lập và nội dung của nó phải phục vụ cho bức tranh lớn hơn về thế giới của những loài quái vật. Trong phiên bản của Peter Jackson, Kong chỉ cao 25 feet, tương đương toà nhà 3 tầng. Tuy nhiên, trong phiên bản năm 2017, kích thước của Kong được đẩy lên gấp 4 lần. Với vóc dáng mới này, Kong mới có thể chiến đấu lại cả Godzilla. Dự án Godzilla vs King Kong là lần gặp mặt đầu tiên giữa hai quái vật trong thế kỷ 21. Sự hùng vĩ và hoành tráng của Kong trong bản này cũng vì thế mà đẩy cao hơn.

Kong 2017 được cho đứng thẳng bằng hai chân như con người, khác với bản 2005 khi chỉ đơn giản là một con Gorilla có kích thước khổng lồ. Ở phiên bản mới nhất, Kong cũng thông minh hơn, biết tư duy phân biệt được mục đích của con người, biết dùng vũ khí, biết tôn thờ cha mẹ. Trong Kong 2017, những kẻ đến xâm phạm lãnh thổ của Kong là tổ chức có tên Monarch, họ đã dùng vệ tinh để khám phá ra chỗ ở của các quái vật. Bối cảnh "vương quốc" của Kong trong năm 2005, Kong chỉ xuất hiện trên đảo trong một phần của bộ phim. Kong có đất diễn ở New York nhiều hơn. Và phân đoạn trên đỉnh tòa nhà Empire State kinh điển được Peter Jackson tái hiện một cách xuất sắc.

Trong khi đó Kong: Skull Island dành toàn bộ thời lượng phim trên đảo. Kong là vị vua của đảo Đầu lâu và thừa kế lại nhiệm vụ canh giữ đảo từ cha mẹ. Người dân trên đảo tôn thờ Kong và sống dưới sự bao bọc của Kong khỏi đám quái vật dưới lòng đất. Hầu hết các phiên bản Kong đều có một mỹ nhân để tô điểm cho màn ảnh.Với Kong 2005, Naomi Watts có thể coi là mỹ nhân đáng nhớ nhất, xuất sắc nhất từng xuất hiện đóng cặp với quái vật sơn lâm. Nhân vật của cô trong phim là một cô gái trẻ, nhiều hoài bão và toả ra hào quang của một tâm hồn trong sáng. Bản năm 2017, vai trò này thuộc về Brie Larson, nhân vật Mason Weaver đóng vai một nữ phóng viên phản chiến có phần chủ động và mạnh mẽ hơn nhưng mối quan hệ của cô với Kong đã ít lãng mạn hơn trước đây rất nhiều.

Tính biểu tượng của Kong trong Kong: Skull Island, Kong, một đại diện của thiên nhiên nhân từ và phân minh. Kong trong Skull Island hiện ra uy nghi, bề thế như một vị vua, biết mình đại diện cho ai và sứ mệnh của mình là gì. Phiên bản năm 2005 của Peter Jackson, Kong không phải là đại diện cho tự nhiên nữa mà được nhân hoá, mang ngoại hình chúa sơn lâm có những rung động sân si như con người. Đảo Đầu lâu của Kong thật khủng khiếp, bộ tộc man rợ, khủng long bạo chúa, giun đất ăn thịt người, mà Kong, vua của tất cả, lại mang căn tính con người. Con quái vật khổng lồ cuối cùng đã phải lòng cô gái New York nhỏ nhắn và thánh thiện.

King Kong năm 2005 nhiều lần cứu sống cô mỹ nhân trên đảo, và cũng vì cô mà giã từ ngai vàng trên đảo Đầu lâu để đến với thế giới con người. Phải bước vào thế giới ấy nó mới biết thế giới loài người còn tàn khốc hơn. Bị đem ra làm trò giải trí, bị coi như quái vật, bị săn đuổi, bị khinh bỉ, Kong trở nên lạc lõng giữa mùa đông lạnh lẽo của loài người. Đến cuối cùng, nó chết. Chúa tể rừng xanh chấp nhận cái chết. Vì duy nhất một lần trong đời, con quái vật đã biết thế nào là yêu và câu nói "Không phải máy bay, mà chính là mỹ nhân đã giết con quái vật" đã thể hiện rõ, so với phiên bản của Peter Jackson đạo diễn, Kong: Skull Island của đạo diễn Jordan Vogt-Robert vốn có nhiều khác biệt cơ bản.

Xét trên góc độ lịch sử, loài người chưa tìm ra bằng chứng nào về quái vật khỉ có kích cỡ ngang với King Kong, nó không tồn tại trong mắt các nhà khoa học, và các bằng chứng lịch sử chưa bao giờ tìm thấy sinh vật nào giống như vậy. Trong khi hiện nay, các linh trưởng được xem là có thể xác khổng lồ chỉ có tinh tinh, đười ươi và khỉ đột, trong đó khỉ phía Đông là phân loài có kích cỡ lớn nhất hiện nay. Một cá thể khỉ đột to nhất sẽ có khối lượng cơ bắp đồ sộ và nặng tới 180 kg, có thể đạt chiều cao bằng một người trưởng thành từ 1,7-1,8m là giống khỉ lớn nhất hiện nay, ngay cả Người Tuyết Yeti và Bigfoot là những sinh vật có hình hài giống khỉ cũng chỉ cao khoảng hơn 2m. Trước đây cũng từng tồn tại một loài linh trưởng khổng lồ đã tuyệt chủng là Gigantopithecus với chiều cao hơn 3m, có thể đạt tới 4m, nặng khoảng 500 kg.

Nếu vì lý do nào đó mà tồn tại một con khỉ đột cao 30m như Kong thì liệu nó có thể sống và chạy nhảy, chiến đấu như trong phim King Kong là phi lý và không thể tồn tại trong đời thực được. Đặt giả thuyết liệu một con khỉ đột với thân thể to gấp 5 lần bình thường thì về khoa học nó sẽ không tồn tại được hoặc ít nhất nếu tồn tại, hình hài của nó sẽ không thể giống như những gì các nhà làm phim nghĩ ra. Vấn đề chính là King Kong quá nhanh nhẹn so với một con vật có kích thước của nó, theo vật học, trọng lượng của 1 vật tỷ lệ thuận với thể tích của nó, khi kích thước của một vật tăng gấp đôi, thể tích và trọng lượng sẽ phải tăng gấp 8 lần, King Kong trong phim chỉ đơn giản là một con khỉ đột cỡ lớn, nên việc di chuyển tương tự như vậy là điều không thể.

Với công thức tương quan sinh trưởng n * n * n = n^3 lần thì có nghĩa là nếu một con khỉ đột cao 1 mét nặng 100 kg, thì King Kong năm 2005 cao gấp 8 lần (8m) sẽ có trọng lượng gấp 8 * 8 * 8 = 512 lần tương đương với 51,2 tấn. Nếu xem King Kong là khỉ đột phiên bản to gấp 5, thì trọng lượng của nó sẽ tăng 5^3 lần là 125 lần mà một con khỉ đột trưởng thành nặng 180 kg, vậy King Kong sẽ nặng khoảng 22,5 tấn. Còn nếu 1 con khỉ cao 1.5 mét nặng 100 kg, thì King Kong cao gấp 20 lần (30m) sẽ có trọng lượng gấp 20 * 20 * 20 = 8.000 lần tương đương với 800 tấn. Kích thước tăng gấp 3 nhưng trọng lượng tăng gấp 27 lần, cụ thể là khi 1 khối lập phương to gấp 3 lần kéo theo trọng lượng của nó sẽ tăng 3*3*3=27 lần trong khi diện tích mặt cắt ngang chỉ tăng có 3*3=9 lần.

Đồng thời, chân và tay của King Kong sẽ cũng sẽ to lên theo thân thể. Và khả năng chịu lực (giới hạn bền) của một chân sẽ tỉ lệ thuận với diện tích mặt cắt ngang qua cái chân đó. Điều ấy có nghĩa là khi chiều cao tăng lên 8 lần, tiết diện cắt ngang qua tay hoặc chân của King Kong sẽ tăng lên 8 * 8= 64 lần, trọng lượng thân xác tăng 512 lần nhưng tay chân lại chỉ phát triển hơn có 64 lần ở phiên bản năm 2005 và theo phiên bản năm 2017 thì chiều cao tăng lên 8 lần, diện tích mặt cắt ngang qua tay hoặc chân của King Kong sẽ tăng lên 20 * 20= 400 lần, hoặc tính chung, diện tích mặt cắt ngang chỉ to lên 25 lần, tức là khả năng chịu lực cũng chỉ tăng 25 lần. Trọng lượng tăng 8000 lần nhưng tay chân lại chỉ phát triển hơn có 400 lần, điều này khiến một con khỉ đột mà to như trên phim với kích thước của Kong thì việc bước đi còn khó nhọc chứ không thể nhảy nhót, đánh nhau được.

Mỗi bước đi, dù là nhẹ nhất của Kong cũng sẽ ẩn chứa nguy cơ gãy xương chân vì giả thuyết rằng King Kong cũng là con vật bằng xương bằng thịt chứ không phải là một con vật có bộ xương cứng chắc như thép nên mỗi bước đi bình thường đều khiến xương chân của con vật bị dồn nén tới gần giới hạn bền (độ chắc khỏe) nên sẽ gây ra rất nhiều đau đớn. King Kong là một phiên bản cỡ lớn của khỉ đột nhưng có tương quan kích thước chân và cơ thể hoàn toàn đồng dạng với một con khỉ đột bình thường nên King Kong giữ được hình dáng như một con khỉ đột bình thường là điều không thể. Những con vật có kích cỡ của Kong sẽ phải đi lại rất chậm rãi, rón rén, ngại va chạm giống như một con voi phải di chuyển từ tốn, nhưng Kong có thể bị té lăn từ trên vách núi xuống đất đầy va đập bầm dập nhưng lại ngay lập tức đứng bật dậy chạy được là sự phí lý.

Trong trường hợp của King Kong (phiên bản nhỏ năm 2005) cao gấp 7 lần một con khỉ đột bình thường vậy thì trọng lượng của nó sẽ là khoảng 60 tấn. Một cơ thể của sinh vật đứng bằng hai chân, thậm chí kể cả đi trên bốn chân cũng chẳng thể đỡ được trọng lượng lớn như vậy, với trọng lượng như vậy mà Kong lại được tạo hình dưới dạng một sinh vật linh trưởng đi bằng hai chân, thỉnh thoảng chống tay xuống đất thành bốn chân như vua Kong thì nó chẳng thể đi được chứ đừng nói là chạy nhảy và chiến đấu như trên phim, kể cả nó có cố gắng di chuyển thì chỉ vài bước là sẽ bị gãy xương vì dồn trọng lực quá lớn, rồi một sinh vật khổng lồ mà lại không thể di chuyển được thì chỉ làm mồi cho những loài vật khác, hoặc là để có trọng lượng lớn như vậy, chúng sẽ phải có cấu tạo hình dạng cơ thể đặc biệt và hình dạng của King Kong không đáp ứng được điều này.

Một chi tiết khác là trong bộ phim vào năm 2005, cảnh quay cho thấy King Kong chỉ biết gặm tre trúc y như một con khỉ đột thực thụ nhưng với lối sống năng động và di động, chiến đấu liên tục của Kong thì chế độ ăn uống khá đạm bạc như vậy mang lại quá ít năng lượng nên nếu để đủ sức chạy nhảy mà chỉ ăn tre nứa thì Kong có lẽ phải nhai nuốt tre suốt 24/24 giờ. King Kong phiên bản năm 2017 nặng khoảng 1.400 tấn, có khả năng nâng vật nặng 2.100 tấn thì sẽ cần phải ăn hơn 46 tấn thức ăn mỗi ngày tương đương với 400.000 quả chuối[9] nên đến phim Kong: Skull Island năm 2017, vị vua Kong khôn ngoan đã điều chỉnh chế độ ăn của mình một cách hợp lý, thay vì chỉ nhai lá cây, rễ cây vốn cung cấp quá ít calo cho lối sống tăng động, thì vua Kong đã biết cân bằng, bổ sung thêm hải sản tươi sống vào thực đơn để bù đạm với cảnh quay vua Kong ăn thịt sống con thủy quái mực lai bạch tuộc (Mire Squid) sau khi hạ nó.

Hình tượng khỉ đột Ozaru[sửa | sửa mã nguồn]

Sau khi xuống Trái Đất Goku được ông Son Gohan nhặt được mang về nuôi, thời gian đầu với bản tính hung hăng của người Saiyan thì Goku là đứa trẻ hay quậy phá, luôn đập phá mọi thứ. Trong một đêm trăng rằm, cậu đã nhìn vào Mặt Trăng và biến thành con khỉ đột vô cùng to lớn, hung dữ và có sức mạnh kinh khủng. Và trong trạng hình dạng khỉ đột khổng lồ đó, Goku bị mất hoàn toàn khả năng kiểm soát bản thân, cậu chỉ biết tàn phá mọi thứ, chính vì thế trong lúc đó cậu đã vô tình giết chết chính người ông đã nuôi dưỡng mình khôn lớn mà không hề hay biết. Goku biến đổi lần nữa tại đại hội võ thuật lần thứ 21, Yamcha định cắt đuôi Goku tiếp nhưng Master Roshi nghĩ ra phương án tốt hơn là dùng Kameyoko chưởng ra hủy diệt mặt trăng.

Giống như những Saiyan khác, đây là một trạng thái khi Goku biến thành Oozaru (một con khỉ đột có đuôi) khi thấy trăng tròn với điều kiện có đuôi. Sức mạnh của Goku trở nên tăng nhanh nhưng mất tự chủ. Ngoài ra còn Golden Great Ape xuất hiện trong Dragon ball GT. Goku chuyển thành trạng thái này khi nhìn Mặt Trăng (nhưng dùng Trái Đất thay thế). Lúc này do có đuôi nên Goku đã trở thành khỉ đột. Nhưng do có sức mạnh to lớn nên Goku đã chuyển hóa thành khỉ đột vàng. Đây là bước trung gian để chuyển thành Super Saiyan 4. Super Saiyan 4 (SSJ4) là sau khi hóa thành khỉ đột vàng, Goku đã lấy lại ý thức nhờ Pan và sau đó chuyển hóa thành Super Saiyan 4. Trạng thái này khác biệt hoàn toàn so với ba cấp trước đó. Tóc màu đen thay vì màu vàng, dài nhưng không như cấp 3. Toàn thân được bao phủ bởi lông đỏ. Đuôi đỏ. Lông mày đen. Sức mạnh, tốc độ, độ bền của Goku tăng lên rất nhiều.

Hình mẫu con Khỉ đột khổng lồ này dựa trên ý tưởng Tôn Ngộ Không từ Tây Du Kí, chúng có đuôi, đầu giống khỉ đầu chó, răng sắc nhọn và mắt đỏ. Quá trình chuyển đổi thành Great Ape khá giống với series phim Người sói của DC Comic. Khi nhân vật nhìn thấy trăng tròn, đầu óc mất dần ý thức, tứ chi phát triển lớn, lông mọc khắp người và khi quá trình kết thúc là một sinh vật khổng lồ mang sức mạnh to lớn. Các Great Ape cao ít nhất 50 feet, trong lần Goku biến đổi ở Pilaf Saga, cậu đã phá nát trần của tòa lâu đài. Great Ape có nhiều nét tương đồng với King Kong, một con khỉ đột khổng lồ xuất hiện lần đầu tiên trong một bộ phim năm 1933 của Mỹ.

Để biến hình thành khỉ đột thì Người Saiyan phải có đuôi, có nhiều người Saiyan bị mất đuôi thì không thể chuyển đổi được. Cần phải hấp thụ ít nhất 17 triệu đơn vị Zeno ánh sáng xanh (Blues Waves) vào mắt. Ánh sáng xanh được tìm thấy chỉ trong ánh sáng mặt trời phản chiếu bởi một mặt trăng. Nếu không có mặt trăng, một hành tinh đủ điều kiện ánh sáng cũng có thể thay thế. Ngoài ra có thể tự tạo "mặt trăng" bằng cách tạo ra 1 quả cầu năng lượng đủ tròn và đủ ánh sáng phản chiếu. Khi mặt trăng biến mất, bị phá hủy hoặc đuôi của người Saiyan bị cắt đứt thì cơ thể sẽ trở về trạng thái bình thường. Một Great Ape có sức mạnh gấp 10 lần người biến đổi.

Khi biến đổi thì các Saiyan sẽ mất ý thức và tàn phá xung quanh, đánh lại bất kì ai cản đường. Tuy nhiên họ vẫn có thể lấy lại được kí ức nếu bị tác động bởi người thân. Đặc biệt, Vegeta còn học được cách kiểm soát ý chí và vẫn nói chuyện được như người bình thường. Tốc độ của Vegeta không giảm đi nhiều dù thân hình quá khổ, vẫn có thể bắn khí từ miệng và bay. Gohan biến đổi khi cậu ở tại rừng trong đợt huấn luyện khắc nghiệt của Piccolo. Vào đêm trăng tròn, Gohan dạy đi tiểu trên đỉnh 1 núi đá, cậu vô tình nhìn thấy trăng tròn và hóa khỉ đột khổng lồ tàn phá xung quanh. Piccolo khá sốc với sức mạnh to lớn này và nhanh tay hủy diệt mặt trăng lần 2, sau đó ngắt đuôi Gohan để phòng trừ nguy hiểm sau này.

Thất thế trong trận chiến với Goku, Vegeta đã tạo ra 1 quả cầu năng lượng mô phỏng mặt trăng và biến đổi. Vegeta kiểm soát được ý chỉ của khỉ đột và đánh Goku trọng thương. Trong tình thế nguy cấp, Yajirobe trở thành vị cứu tinh khi chặt đứt đuôi Vegeta khiến hắn trở lại bình thường. Tiếp đó Gohan (đuôi đã mọc lại) sử dụng chính quả cầu năng lượng để biến đổi đẩy Vegeta vào thế đường cùng. Tuy nhiên Vegeta vẫn kịp thời cắt đuôi Gohan bằng chiêu thức đĩa năng lượng. Nói chung những người Saiyan mặc giáp thì khi biến đổi trang phục của họ cũng co giãn to ra theo. Trong khi những người không có giáp như Goku sẽ bị rách nát quần áo và khi trở lại bình thường sẽ trong tình trạng trần chuồng. Kích thước của Great Ape dường như không phụ thuộc vào người biến đổi, Gohan và Vegeta khi hóa khỉ đột đều cao bằng nhau.

Hình ảnh[sửa | sửa mã nguồn]

Chú thích[sửa | sửa mã nguồn]

1. ^ Quammen, David (ngày 4 tháng 4 năm 2013). “Book Review: Planet of the Ape -'Between Man and Beast,' by Monte Reel”. New York Times. Truy cập ngày 6 tháng 4 năm 2013.
2. ^ Quammen, David (ngày 4 tháng 4 năm 2013). “Book Review: Planet of the Ape - 'Between Man and Beast,' by Monte Reel”. The New York Times. Lưu trữ bản gốc ngày 6 tháng 4 năm 2013. Truy cập ngày 6 tháng 4 năm 2013.
3. ^ Trợ lý giáo viên bị sa thải vì nói bà Obama là 'khỉ đột'
4. ^ “Now You're Playing With Power: Top 25 Nintendo Characters of All Time”. GameDaily. Bản gốc lưu trữ ngày 12 tháng 9 năm 2008. Truy cập ngày 9 tháng 8 năm 2009.
5. ^ Gott, Ted (2005). “Stowed Away:Emmanuel Frémiet's Gorlla Carrying Off A Woman”. Art Journal. 45. Truy cập ngày 19 tháng 8 năm 2017.
6. ^ Cooper, Alice. "Thrill My Gorilla." Constrictor. [S.l.]: Premium Masters, 1994.
7. ^ Dead Milkmen (Musical group). Big Lizard in My Backyard. El Segundo, CA: Restless, 1985.
8. ^ Ghostface Killah. "Gorilla Hood." The Pretty Tony Collection Chapter 2. n.p., n.p., 2008
9. ^ a b “'Kong: Skull Island': Kong to lớn tới mức nào ở ngoài đời thật”. Zing.vn. Truy cập 4 tháng 2 năm 2018.

Hình ảnh: RKO Radio Hình ảnh "Citizen Kane""Citizen Kane"

Silent Classics, Noir, Space Opera và mọi thứ ở giữa: Bằng cách nào đó chúng tôi quản lý để xếp hạng những bộ phim hay nhất mọi thời đại

Những gì bạn sắp đọc có thể nghiền các bánh răng di chuyển của bạn, nhưng chúng tôi có thể xin lỗi vì điều đó. Danh sách được thực hiện để bắt đầu các cuộc thảo luận, và xếp hạng những bộ phim hay nhất mọi thời đại có thể là một cuộc tranh luận đặc biệt nóng bỏng. Đó là cách mà mọi người cảm thấy mạnh mẽ về những bộ phim hài yêu thích của họ, phim kinh dị, phim trộm cắp & NBSP; và Thụy Điển cổ điển của Thụy Điển. Tất nhiên, các nghệ thuật khác khơi dậy cuộc tranh luận đam mê, nhưng có một cái gì đó về điện ảnh thực sự có những người yêu thích nhất. Nó có thể có liên quan đến cách điện ảnh định hình chúng ta. Chúng tôi có thể phát triển từ một số ban nhạc và bài hát, nhưng một bộ phim yêu thích vẫn giữ được một vị trí trong trái tim và ký ức của bạn suốt đời, đến mức những cảnh và dòng đối thoại nổi bật trở thành một phần của lịch sử cá nhân của chúng tôi - gần như là chúng tôi đã sống những cảnh đó chính chúng ta. & nbsp;comedies, horror flicks, heist movies and Swedish arthouse classics. Other artforms spark passionate debate, of course, but there’s something about cinema that really gets the most hardcore buffs going. It probably has something to do with how cinema shapes us. We may grow out of certain bands and songs, but a favourite movie retains a spot in your heart and memory for a lifetime, to the point that standout scenes and lines of dialogue become part of our personal histories – almost as if we’ve lived those scenes ourselves. 

Rõ ràng, đưa ra một danh sách dứt khoát những bộ phim hay nhất từng được thực hiện là một nhiệm vụ khó khăn. Nhưng chúng tôi vẫn phải làm điều đó, bởi vì nói chuyện - không sao, tranh luận - qua các bộ phim cũng là một phần của văn hóa phim như xem chúng. Chúng tôi đã bao gồm tất cả mọi thứ, từ các bộ phim bom tấn có ngân sách lớn đến các tác phẩm kinh điển, romcom và bộ phim kinh dị, đội quân tội phạm cho đến các hành động hành động cổ phần. Nó kéo dài hơn một trăm năm và nhiều quốc gia. Và ngay cả với tất cả những gì mặt đất được bảo hiểm, chúng tôi chắc chắn rằng ai đó sẽ phát điên vì một cái gì đó mà chúng tôi đã bao gồm hoặc bỏ qua. Mặc dù vậy, điều đó ổn. Rốt cuộc, đó là những gì danh sách có nghĩa là phải làm, phải không? Vì vậy, hãy tiếp tục và hét vào máy tính của bạn. Chúng ta có thể lấy nó. & Nbsp;

Viết bởi Abbey Bender, Dave Calhoun, Phil de Semlyen, Bilge Ebiri, Ian Freer, Stephen Garrett, Tomris Laffly, Joshua Rothkopf, Anna Smith và Matthew Singerand Matthew Singer

Recommended:

Những người chiến thắng giải Oscar xứng đáng nhất mọi thời đại 😬 Bộ phim kinh dị hay nhất mọi thời đạiThe most deserving Oscar winners of all-time
😬 The best thriller films of all-time
🤣 The best funny films of all-time
🌏 The best foreign films of all-time

Những bộ phim hay nhất mọi thời đại

1. & NBSP; 2001: A Space Odyssey (1968) 2001: A Space Odyssey (1968)

Bộ phim vĩ đại nhất từng được thực hiện bắt đầu với cuộc họp của hai bộ óc xuất sắc: Stanley Kubrick và Sci-Fi Seer Arthur C Clarke. Tôi hiểu anh ấy là một người sống trong một cái cây ở Ấn Độ ở đâu đó, ông đã lưu ý Kubrick khi tên Clarke Clarke xuất hiện-cùng với những người Isaac Asimov, Robert A Heinlein và Ray Bradbury-với tư cách là một nhà văn có thể cho sử thi khoa học viễn tưởng theo kế hoạch của anh ấy. Clarke thực sự sống ở Ceylon (không phải ở Ấn Độ, hay một cái cây), nhưng cặp đôi đã gặp nhau, đánh bại nó, và giả mạo một câu chuyện về tiến bộ công nghệ và thảm họa (xin chào, Hal) chìm đắm trong nhân loại, trong tất cả sự sáng chói, yếu , Can đảm và tham vọng điên rồ. Một khán giả của những người ném đá, được làm nổi bật bởi chuỗi cổng sao mắt và hình ảnh tiên phong, đã áp dụng nó như một bộ phim thú cưng. Nếu không phải đối với họ, năm 2001 có thể đã mờ dần, nhưng thật khó để tưởng tượng nó sẽ ở đó. Tầm nhìn lâm sàng đáng sợ của Kubrick về tương lai - AI và tất cả - vẫn cảm thấy tiên tri, hơn 50 năm.

2. & nbsp; Bố già (1972) The Godfather (1972)

Từ những kẻ khôn ngoan của Goodfellas đến The Sopranos, tất cả các triều đại tội phạm xuất hiện sau khi cha đỡ đầu là hậu duệ của Corleones: Francis Ford Coppola, Magnum Opus là tộc trưởng cuối cùng của thể loại Mafia. Một dòng mở đầu hoành tráng (tôi tin vào nước Mỹ) đã thiết lập sự thích nghi của Mario Puzo trong chuyển động, trước khi Coppola, sử thi biến thành một sự phá hủy của Giấc mơ Mỹ. Câu chuyện ướt sũng theo một gia đình nhập cư mạnh mẽ vật lộn với các giá trị nghịch lý của triều đại và tôn giáo; Những mâu thuẫn đạo đức đó được kết tinh trong một chuỗi rửa tội huyền thoại, được chỉnh sửa tuyệt vời song song với việc giết bốn người đối thủ. Với vô số chi tiết mang tính biểu tượng, một con ngựa bị cắt đứt đầu, giọng nói khò khè của Marlon Brando, Nino Rota, WALTZ, Bố già, chính quyền

3. & nbsp; Citizen Kane (1941) Citizen Kane (1941)

Quay trở lại các tiêu đề nhờ David Fincher, bộ phim truyền hình xuất sắc của David Fincher, Citizen Kane luôn tìm cách tự đổi mới cho một thế hệ những người yêu thích phim mới. Đối với những người mới, hành trình của chiếc máy ủi của một nhân vật chính-được chơi với lực lượng vô tận bởi nam diễn viên-đạo diễn-Wunderkind Orson Welles-từ đứa trẻ không được yêu thương đến doanh nhân đẩy một siêu nhân). Bạn có thể tắm trong các kỹ thuật đột phá của bộ phim, như nhiếp ảnh tập trung sâu của Gregg Toland, hoặc sự tự tin vô hạn trong việc dàn dựng và điều tra chủ nghĩa tư bản Mỹ. Nhưng nó cũng chỉ là một câu chuyện hay chết tiệt mà bạn chắc chắn không cần phải là một rạp chiếu phim cứng rắn để thưởng thức.David Fincher’s brilliantly acerbic making-of drama Mank, Citizen Kane always finds a way to renew itself for a new generation of film lovers. For newbies, the journey of its bulldozer of a protagonist – played with inexhaustible force by actor-director-wunderkind Orson Welles – from unloved child to thrusting entrepreneur to press baron to populist feels entirely au courant (in unconnected news, Donald Trump came out as a superfan). You can bathe in the film’s groundbreaking techniques, like Gregg Toland’s deep-focus photography, or the limitless self-confidence of its staging and its investigation of American capitalism. But it’s also just a damn good story that you definitely don’t need to be a hardened cineaste to enjoy.—Phil de Semlyen

4. & NBSP; Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975) Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Từ lâu đã coi là một kiệt tác nữ quyền, Chantal Akerman, lặng lẽ hủy hoại bức chân dung của một góa phụ hàng ngày, những việc vặt của cô dần dần mang lại cảm giác thất vọng dồn nén, nên có vị trí chính đáng trong bất kỳ danh sách mọi thời đại nào. Đây không chỉ đơn thuần là một bộ phim thích hợp, mà là một cửa sổ vào một điều kiện phổ quát, được mô tả theo phong cách cấu trúc tập trung. Thôi miên hơn bạn có thể nhận ra, Akerman, không bị gián đoạn thay đổi các hành vi đơn giản là nạo vét thịt bê hoặc dọn dẹp bồn tắm thành những lời phê bình tinh tế của chính di chuyển. . Jeanne Dielman đại diện cho một cam kết hoàn toàn với cuộc sống của một người phụ nữ, từng giờ, từng phút. Và nó thậm chí còn có một kết thúc xoắn.

5. & nbsp; Raiders of the Lost Ark (1981) Raiders of the Lost Ark (1981)

Bắt đầu với một sự hòa tan từ logo Paramount và kết thúc trong một nhà kho lấy cảm hứng từ Citizen Kane, Raiders of the Lost Ark tôn vinh những gì phim có thể vui vẻ hơn bất kỳ bộ phim nào khác. Được thiết kế phức tạp như một sự tôn vinh cho nghề thủ công, bộ phim bom tấn vui nhộn nhất của Steven Spielberg có tất cả: những tảng đá lăn, một cuộc cãi lộn, một nữ anh hùng lấp lánh (Karen Allen) (Paul Freeman), Rắn (Hồi Tại sao nó phải là rắn? Và tất cả đều đứng đầu bởi Harrison Ford, Pitchect Pitchect Indiana Jones, một mô hình của chủ nghĩa anh hùng bất đắc dĩ nhưng tháo vát (nhìn vào khuôn mặt của anh ta khi anh ta bắn ra kiếm sĩ đó). Nói tóm lại, nó là sự hoàn hảo điện ảnh.

6. & NBSP; La Dolce Vita (1960) La Dolce Vita (1960)

Được sản xuất ở giữa những năm bùng nổ của nước Ý, Federico Fellini, hit hit Box-Office đã đến để xác định sự quyến rũ nóng bỏng và văn hóa người nổi tiếng cho toàn hành tinh. Nó cũng làm cho Marcello Mastroianni trở thành một ngôi sao; Tại đây, anh đóng vai một nhà báo tin đồn bị cuốn vào thế giới điên cuồng, tự do của cuộc sống về đêm La Mã. Trớ trêu thay, bộ phim miêu tả của bộ phim về môi trường này là chủ nghĩa khoái lạc phi thường và chính đáng có vẻ như đã vượt qua nhiều người xem. Có lẽ đó là vì Fellini quay phim mọi thứ với rất nhiều điện ảnh và sự dí dỏm đến nỗi nó thường khó để không bị cuốn vào những sự kiện mê sảng trên màn hình. Rất nhiều cách chúng ta xem danh tiếng vẫn còn bắt đầu trở lại với bộ phim này; Nó thậm chí còn cho chúng ta từ paparazzi.

7. & NBSP; Bảy Samurai (1954) Seven Samurai (1954)

Nó là 207 phút dễ nhất của rạp chiếu phim mà bạn sẽ ngồi qua. Trên các khuôn khổ đơn giản nhất, một cộng đồng nông nghiệp nghèo nàn có nguồn lực của mình để thuê Samurai để bảo vệ họ khỏi những tên cướp tàn bạo, người đã đánh cắp vụ thu hoạch của mình, Akira Kurosawa mang đến một bản hùng ca được vẽ một cách tinh tế, bằng cách trở nên hấp dẫn, hài hước và thú vị. Tất nhiên, các chuỗi hành động khuấy động Blood, trận đấu cuối cùng trong cơn mưa là không thể nào quên, nhưng đây thực sự là một nghiên cứu về sức mạnh và con người của con người. Toshiro Mifune là tuyệt vời khi Samurai tự phong một nửa, nhưng nó là người lãnh đạo giống như Yoda của Takashi Shimura, người cho bộ phim trung tâm tình cảm. Kể từ khi được phát lại ở miền Tây hoang dã (The Magnificent Seven), trong không gian (Trận chiến vượt ra ngoài các vì sao) và thậm chí với côn trùng hoạt hình (một cuộc sống của con bọ), bản gốc vẫn ngự trị tối cao.

8. & nbsp; trong tâm trạng cho tình yêu (2000) In the Mood for Love (2000)

Một bộ phim thực sự có thể là một tác phẩm kinh điển ngay lập tức? Bất cứ ai theo dõi tâm trạng cho tình yêu khi nó được phát hành năm 2000 đều có thể nói có. Câu chuyện tình yêu thứ hai này mở ra, bạn cảm thấy bạn đang ở trong tay của một bậc thầy. Wong Kar-Wai hướng dẫn chúng tôi qua những con đường hẹp và cầu thang của thập niên 60 Hồng Kông và vào cuộc sống của hai người hàng xóm (Maggie Cheung và Tony Leung), những người phát hiện ra vợ hoặc chồng của họ đang ngoại tình. Khi họ tưởng tượng ra và một phần Reenact, làm thế nào các đối tác của họ có thể cư xử, họ rơi vào nhau trong khi vẫn quyết tâm tôn trọng lời thề cưới của họ. Được tải với khao khát, bộ phim được hưởng lợi từ không dưới ba nhà quay phim, những người cùng nhau tạo ra một cảm giác thân mật mãnh liệt, trong khi những màn trình diễn không có lỗi rùng mình với căng thẳng tình dục. Đây là rạp chiếu phim.

9. & nbsp; sẽ có máu (2007) There Will Be Blood (2007)

Trên con đường trở thành nhà làm phim quan trọng nhất trong 20 năm qua, Paul Thomas Anderson đã biến đổi từ một biên niên sử Scorsesian của cuộc sống của L.A. thành một nhà điều tra mũi cứng của người đàn ông tự tin Mỹ. Điểm quan trọng là sẽ có máu, một bản anh hùng ca về một loại hustler nhất định là nam tước dầu mỏ và người tham gia. Daniel Plainview, trong phân tích cuối cùng, một Daniel Day-Lewis cực kỳ đáng sợ, người sẽ uống sữa lắc của bạn. Được ghi bởi Radiohead, Jonny Greenwood (bản thân anh ta nổi lên như một nhà soạn nhạc lớn), bản anh hùng ca buồn bã của Anderson là người thừa kế thực sự của sự hoài nghi sâu sắc xương của khu phố Tàu. Khi Phantom Thread nói rõ, Anderson đã mất đi sự hài hước của mình, không phải bằng một cú sút xa. Nhưng đã từng có một khoảnh khắc khi anh ấy cần phải nghiêm túc, và đây là nó.

10. & nbsp; singin, trong mưa (1952) Singin’ in the Rain (1952)

Quên nghệ sĩ, người đàn ông Uggie, và thích thay vào đó là một bài phát biểu tuyệt đối, tăng cường serotonin của Epitaph vinh quang của MGM, đến thời đại im lặng của Cinema. Bộ ba vũ công của nó, người đứng đầu (và gót chân) Donald O'Connor, người mới lấp lánh Debbie Reynold và đồng đạo diễn và tiêu đề Act Gene Kelly, là một mối đe dọa ba Những nhịp điệu truyện tranh với kỹ năng hoàn hảo. Nhưng kudos cũng thuộc về Betty Comden và Adolph Green, người có kịch bản sủi bọt cung cấp nhịp cho cảnh tượng di chuyển đến, và Jessica Hagen, người thường xuyên bị bỏ qua khi ngôi sao im lặng croaky Lina Lamont là bộ phim hài hước. Không quên đồng đạo diễn Stanley Donen, người luôn hạnh phúc khi để các ngôi sao của mình nhận được tín dụng nhưng xứng đáng được chia sẻ bằng nhau cho một vở nhạc kịch không bao giờ đặt sai chân.

11. & nbsp; Goodfellas (1990) Goodfellas (1990)

'Cách trở lại như tôi có thể nhớ, tôi luôn muốn trở thành một tay xã hội đen.' Dòng mở đầu của Ray Liotta là bộ phim tội phạm tương đương với 'Ngày xửa ngày xưa', và những gì sau đây là phiên bản của Martin Scorsese của một câu chuyện cổ tích - câu chuyện của một đứa trẻ Brooklyn mắt đầy sao, người đã thực hiện giấc mơ thời niên thiếu của mình và vẫn xuất hiện một cái nhìn cuối cùng. dựa trên cuộc sống thực sự của tên cướp Henry Hill, Goodfellas được sinh ra trong bóng tối của Bố già, nhưng khi năm tháng trôi qua, Câu hỏi có ảnh hưởng hơn trở thành chủ yếu là vấn đề của thế hệ. Chắc chắn, trước đây dễ dàng tua lại hơn, do nhịp độ đột phá của nó - hai tiếng rưỡi của nó (và ba thập kỷ) chỉ cần rít lên. Và đối với một bộ phim về tội phạm nghề nghiệp bạo lực, nó cũng không thể tin được một cách kỳ lạ. Nơi Coppola đi vào bên trong các bức tường của tội phạm có tổ chức một phần trăm, các băng đảng Scorsese, có nhiều cổ áo màu xanh hơn. Và hóa ra, làm việc cho Mafia không khác gì nhiều so với bất kỳ công việc nào khác - bạn đã dành 30 năm để phá cái của bạn để leo lên thang, chỉ để úp mặt xuống một tấm thảm đẫm máu trong một ngôi nhà khó khăn ở Burbs. - Matthew Singer & NBSP; Based on the true life of mobster Henry Hill, Goodfellas was born in the shadow of The Godfather, but as the years go on, the question of which is more influential becomes mostly a matter of generation. Certainly, the former is more easily rewatchable, owing to its breakneck pacing – its two and a half hours (and three decades) just whiz by. And for a movie about violent career criminals, it’s also strangely relatable. Where Coppola went inside the walls of organised crime’s one percent, Scorsese’s gangsters are more blue collar. And as it turns out, working for the mafia isn’t much different than any other job - you spend 30 years busting your hump to climb the ladder, only to end up face down on a bloody carpet in some tacky house in the burbs. — Matthew Singer 

12. & nbsp; North by Northwest (1959) North by Northwest (1959)

Ở đó, không có bộ phim kinh dị nào khác thanh lịch, nhẹ nhàng và gợi cảm như Hitchcock xông Silken Caper. Cary Grant, Suavely Hollow Adman Roger O. Thornhill (Hồi The O. là gì? Các tác phẩm, các nhân vật phản diện, Eva Marie Saint, Femme Fatale, Saul Bass, tín dụng, Bernard Herrmann, các tín hiệu âm nhạc, một bộ phim này thậm chí còn còn hơn cả phần của các phần vinh quang của nó. Ồ, và một nơi nào đó trong đó, Thornhill thậm chí còn cố gắng tìm thấy linh hồn của mình.

13. & nbsp; Mulholland Drive (2001) Mulholland Drive (2001)

Không có nhiều bộ phim được biết đến như nhau cho một cảnh sex đồng tính nữ khiêu dâm thực sự và một nỗi sợ hãi nhảy lên trái tim liên quan đến một loại phù thủy rác rưởi đáng sợ. Sau đó, một lần nữa, đây là David Lynch, chúng tôi nói về: toàn bộ sự nghiệp của người đàn ông được dành riêng để làm những việc mà hầu hết các nhà làm phim khác thậm chí sẽ xem xét. Nhưng Mulholland Drive là nơi cụm từ ‘Lynchian, đã đạt được định nghĩa của nó. Những gì xuất hiện, lúc đầu, là một noir tương đối đơn giản về một sự mất trí nhớ tuyệt đẹp (Laura Harring) đang cố gắng ghép lại bí ẩn về bản sắc của chính mình, trong hành động thứ ba của nó, vào một thế giới mơ ước ảo giác, một cách hiệu quả mọi thứ đã đến trước đó. Hairpin trở nên thất vọng một số nhà phê bình, những người dường như dự đoán một bộ phim sẽ giải thích cuối cùng. Người hâm mộ biết rõ hơn - và đối với những người sẵn sàng chấp nhận bộ phim như một trải nghiệm, thay vì một câu đố được giải quyết, đó là một món quà tiết lộ những thú vui mới (và ác mộng) với mỗi lần xem. Ca sĩ của tôiMulholland Drive is where the phrase ‘Lynchian’ earned its definition. What appears, at first, to be a relatively straightforward noir about a gorgeous amnesiac (Laura Harring) trying to piece together the mystery of her own identity plunges, in its third act, into a hallucinatory dream world, effectively undoing everything that came before. The hairpin turn frustrated some critics, who apparently anticipated a movie that would explain itself in the end. Fans knew better – and for those willing to accept the movie as an experience, rather than a riddle to be solved, it’s a gift that reveals new pleasures (and nightmares) with each viewing. —Matthew Singer

14. & nbsp; Thief xe đạp (1948) Bicycle Thieves (1948)

Kiệt tác Neorealist của Vittorio de Sica được đặt trong một thế giới nơi sở hữu một chiếc xe đạp là chìa khóa để làm việc, nhưng nó có thể dễ dàng được đặt ở nơi mà không có xe hơi, hoặc chăm sóc trẻ em giá cả phải chăng, hoặc một số an sinh xã hội là Rào cản không thể vượt qua trong khẩu hiệu liên tục để đặt thức ăn lên bàn. Đó là những gì làm cho nó đồng thời nó là một bộ phim cho nước Ý sau chiến tranh và hiện đại ở mọi nơi. Đó là những gì làm cho nó trở thành một địa danh mạnh mẽ, bền bỉ trong điện ảnh nhân văn. Bạn có thể cảm nhận được điều đó trong hầu hết mọi bộ phim xã hội mà bạn quan tâm, từ Ken Loach đến Kelly Reichardt.—Phil de Semlyen

15. & nbsp; The Dark Knight (2008) The Dark Knight (2008)

Có một người dơi mới ở Gotham, ở dạng bóng tối của Matt Reeves, The Batman - và đây là quán bar mà nó phải xóa. Mục nhập giữa trong bộ ba Bat của Christopher Nolan là một nghiên cứu trường hợp gần như hoàn hảo về cách thực hiện một sử thi siêu anh hùng tinh vi cho khán giả hiện đại-và & nbsp; 'gần như' chỉ vì hành động cuối cùng làm mới Số học đạo đức. Trong khi đó, Heath Ledger, Joker, xác định lại nhân vật phản diện trên màn hình lớn: Nó không đủ để trở nên nham hiểm, & nbsp; Bạn & nbsp; cũng cần một thủ thuật tiệc tùng bây giờ.The Batman – and this is the bar it has to clear. The middle entry in Christopher Nolan’s Bat-trilogy is an almost flawless case study of how to do a sophisticated superhero epic for modern audiences – and the ‘almost’ is only because the final act refreshingly tries to cram in almost too many ideas, much moral arithmetic. Heath Ledger’s Joker, meanwhile, redefines big-screen villainy: It’s not enough to be sinister, you need a party trick now too.—Phil de Semlyen 

16. City Lights (1931)

Charlie Chaplin’s total vision remains awe-inspiring: He wrote, directed, produced, edited and starred in his own movies, which he also scored with an orchestra. And when those cameras were rolling, they captured a self-made icon with a global audience. Still, City Lights was something else. Chaplin, reticent to give up the visual techniques he’d mastered, insisted on making his new comedy a silent film even as viewers were growing thirsty for sound. As ever, the star had the last laugh: Not only was the film a huge commercial success, it also ended on the most heartbreaking close-up in cinema history—the peak of the reaction shot (since cribbed by movies from La Strada to The Purple Rose of Cairo), no dialogue required.—Joshua Rothkopf

17. Grand Illusion (1937)

There’s never a bad time to revisit one of Jean Renoir’s great masterpieces (along with The Rules of the Game), but this current era of populists, nationalists and shouty rabble-rousers feels like a particularly good one. Set in a German POW camp during WWI, the film lays bare the fault lines of class and nationality among a group of French prisoners and their German captors and comes to the conclusion that all that really matters is man’s nobility toward his fellow man.—Phil de Semlyen

18. His Girl Friday (1940)

Calling this one the peak of screwball comedy may be too limiting: Among the many topflight movies directed by journeyman filmmaker Howard Hawks, His Girl Friday is his most romantic and most verbose (the constant banter feels like foreplay). Though the laconic Hawks would downplay his own proto-feminism throughout his life, the film is also his most liberated; strong women who had jobs and ran with newshounds were simply what he wanted to see. Most wonderfully, this comedy best celebrates the rule of wit: He—or, more often, she—with the sharpest tongue wins. If you love words, you’ll love this movie.—Joshua Rothkopf

19. The Red Shoes (1948)

You could stick nearly every Powell and Pressburger film on this list; such was the dynamic duo’s stellar output. But for our money—and that of superfan Martin Scorsese—this dazzling ballet-set romance is first among equals. It's a perfect expression of artists’ drive to create, set in a lush Technicolor world shot by the great Jack Cardiff. Scorsese describes it as “the movie that plays in my heart.” We’ll take two seats at the back.—Phil de Semlyen

20. Vertigo (1958)

A sexy Freudian mind-bender that’s often considered Alfred Hitchcock’s finest triumph, Vertigo is pitched in a world of existential obsession and cunning doubles. Shape-shifting her way through Edith Head’s transformational costumes, Kim Novak haunts in two roles: Madeleine Elster and Judy Barton, both objects of desire for James Stewart’s curious ex-cop. Completing this vivid psychodrama is Bernard Herrmann’s alarmingly duplicitous score, which twists its way to a towering finale.—Tomris Laffly

21. Beau Travail (1999)

Increasingly a giant of world cinema, France’s Claire Denis continues to confound expectations, making movies in sync with her own offbeat rhythms and thematic preoccupations (colonialism, power, repressed attraction). This one, her celebrated breakout, is something of a spin on Herman Melville’s Billy Budd—but that’s like calling Jaws something of a spin on Moby-Dick. The genius is in Denis’s technique, manifesting itself in images of shattering emotional precision: sinewy silhouettes of soldiers, abstract tests of will in the desert and, most ravishingly, the euphoria of breaking into dance, courtesy of a loose-limbed Denis Lavant and Corona’s ‘Rhythm of the Night’.—Joshua Rothkopf

22. The Searchers (1956)

Showing some personal growth as well as filmmaking craft, John Ford makes some amends for his appearance in DW Griffith’s virulently racist The Birth of a Nation with this landmark western. It’s a story of hatred slowing giving way to compassion that strips away the toxic myths of the old frontier via the swaggering but broken-down figure of Ethan Edwards (John Wayne). Edwards is no white-hatted Shane type, but an embittered war veteran who hunts his own niece (Natalie Wood) with the intention of killing her for the crime of have been assimilated with the Comanche. The shot of Edwards framed in that doorway is one of the most famous – and most mimicked – in cinema.—Phil de Semlyen

23. Persona (1966)

Ingmar Bergman’s psychologically raw output has the potency to turn mere film fans into raging addicts; Persona is the hard stuff, a double-sided psychodrama that somehow feels like it was shot last weekend with two of Ingy’s coolest friends (Bibi Andersson and Liv Ullmann, both revelatory). For its intimacy and economy alone, the film feels like a preview of the scrappy decade to come. Bergman, recovering from a serious bout of pneumonia, wrote the script in the hospital, grappling with a crisis of purpose that he turned into art of the highest caliber.—Joshua Rothkopf

24. & nbsp; làm điều đúng (1989) Do the Right Thing (1989)

Spike Lee xông hơi buồn cười, cuối cùng là một bức bích họa bi thảm của một khu phố Brooklyn trong một ngày mùa hè ngột ngạt đã gây tranh cãi vào thời điểm đó: các nhà phê bình đã khiến Lee mô tả về một cuộc nổi dậy sau vụ giết người cảnh sát. Bộ phim đã không mất đi sự liên quan hay sức mạnh của nó; Nếu bất cứ điều gì, nó đã đạt được một số. Nhưng việc làm phim là những gì làm cho nó trở thành một tác phẩm kinh điển, đặc biệt là năng lượng, dí dỏm và phong cách mà Lee trình bày điều vi mô hình này và các lực lượng xã hội đang chơi bên trong nó.

25. & NBSP; Rashomon (1950) Rashomon (1950)

Nó không cường điệu khi nói rằng Akira Kurosawa, Rashomon đã xác định lại cách kể chuyện điện ảnh. Với cấu trúc kể chuyện không đáng tin cậy, không đáng tin cậy của nó, trong đó bốn người đưa ra các tài khoản khác nhau về một vụ giết người, bộ phim rất táo bạo và phục vụ như một lời nhắc nhở về cách thức hình thức có thể khiến chúng ta có thể làm chúng ta bối rối. Những hồi tưởng chưa bao giờ được triển khai ly kỳ; Gần 70 năm sau khi phát hành, các nhà làm phim vẫn đang cố gắng bắt kịp thành tích của nó.

26. & nbsp; các quy tắc của trò chơi (1939) The Rules of the Game (1939)

Jean Renoir đã củng cố sự điêu luyện của mình với nghiên cứu hoàn hảo này về các vụ phun trào xã hội trong số những người giàu có, không nhàn rỗi, sắp bị WWII thổi sang một bên. Các vấn đề giữa các quý tộc và người hầu đều nở rộ trong một chuyến đi săn kéo dài một tuần tại một trang viên nông thôn, nơi tội ác duy nhất là trao đổi sự phù phiếm với sự chân thành. Renoir ghi lại dàn diễn viên vô cùng sắc sảo của mình với các chuyển động camera, tập trung sâu, những đổi mới đã truyền cảm hứng cho các đạo diễn từ Orson Welles đến Robert Altman.

27. & nbsp; Jaws (1975) Jaws (1975)

Bộ phim bom tấn bất tử của Steven Spielberg, không cần sự phát triển chính trị để duy trì sự phù hợp: đó là một bộ phim về một con cá mập lớn ăn thịt người. Phần lớn nhờ vào chính bộ phim, đó là một nỗi sợ hãi phi lý mà công chúng không bao giờ buông bỏ. Tuy nhiên, trong hai năm qua, bất cứ khi nào một số quan chức được bầu đã tranh luận chống lại các nhiệm vụ đeo mặt nạ và & nbsp; nói rằng đã đến lúc mở lại các trường học, thật khó để không nghĩ về Thị trưởng Vaughn trong bộ đồ neo ngớ ngẩn của mình nói với công dân của Amity Island rằng đó là An toàn để trở lại trong nước. Và yếu tố đó-cùng với nhịp độ bậc thầy, việc nhảy mọi thời gian của mọi người đều sợ hãi và tiếng nổ của một hành động thứ ba-là điều thực sự khiến hàm mãi mãi đáng sợ: những con cá mập đáng sợ, nhưng sự tham lam và bất tài có nhiều khả năng nhận được bạn. - & nbsp; Matthew Singer & NBSP;never letting go of. Over the last two years, though, whenever some elected official has argued against mask mandates and said it’s time to reopen schools, it’s been hard not to think about Mayor Vaughn in his goofy anchor-print suit telling the citizens of Amity Island that it’s safe to go back in the water. And that element – along with the masterful pacing, the get-you-every-time jump scares and that banger of a third act – is what really makes Jaws forever frightening: sharks are scary, but greed and incompetence are far more likely to get you. — Matthew Singer  

28. & NBSP; Bồi thường kép (1944) Double Indemnity (1944)

Thể loại phim sành điệu, sành điệu của bộ phim Noir chỉ đơn giản là tồn tại mà không có sự bồi thường kép. Điều này thực sự có tất cả: hồi tưởng, giết người, bóng tối và thuốc lá galore, và tất nhiên, một người phụ nữ lệch lạc (Barbara Stanwyck). Là một trong những đạo diễn vĩ đại của thời kỳ hoàng kim Hollywood Hollywood, Billy Wilder đã xuất sắc trên nhiều loại điện ảnh khác nhau, nhưng viên ngọc bô này là tác phẩm có ảnh hưởng nhất của anh ấy.

29. & nbsp; 400 cú đánh (1959) The 400 Blows (1959)

Lần đầu tiên trong một loạt tự truyện năm phim, The 400 Blows của Francois Truffaut là câu chuyện về Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) Điện ảnh của một tuổi thơ gặp khó khăn nhất. Thêm vào đó, nó là một đoạn mồi hoàn hảo để đưa trẻ em vào các bộ phim phụ đề.

30. & nbsp; Star Wars (1977) Star Wars (1977)

Hình ảnh bỏng ngô tấn công Hyperdrive sau khi George Lucas tiết lộ phương Tây liên thiên hà của mình, một vở opera không gian gee-whiz say mê với những con búp bê của Joseph Campbell, theo phong cách thần thoại đã xóa sạch sự phức tạp đạo đức của những năm 1970 Hollywood. Postiche phim hậu hiện đại này tham khảo một giáo trình ảo của các tác phẩm kinh điển thể loại, từ Metropolis và Triumph of the Will cho đến Kurosawa, Samurai Actioners, Flash Gordon Serials và WWII Thrillers như The Dam Busters. Luke Skywalker, nhiệm vụ giải cứu một công chúa ngay lập tức nâng cao bộ phim B để lên tỷ đô la-thương hiệu.

31. & nbsp; niềm đam mê của Joan of Arc (1928) The Passion of Joan of Arc (1928)

Câu chuyện kinh điển của Carl Theodor Dreyer, về thử nghiệm của Joan of Arc bằng cách nào đó cả khắc khổ và tối đa. Giám đốc cho thấy sự kiềm chế với thiết lập và phạm vi; Bộ phim tập trung chủ yếu vào qua lại giữa Joan và những người điều tra của cô. Nhưng những cận cảnh dữ dội mang lại sự thống trị miễn phí cho Maria Falconetti, bước ngoặt tuyệt vời là người giúp việc cam chịu của Orleans. Được thực hiện ở cuối kỷ nguyên im lặng, nó đặt ra các tiêu chuẩn mới trong diễn xuất màn hình.

32. & nbsp; Ngày xửa ngày xưa ở phương Tây (1968) Once Upon a Time in the West (1968)

Bộ phim sùng bái cuối cùng, Leone, Spaghetti Western được đặt ở một nước Mỹ văn minh, mặc dù chủ yếu được quay ở Rome và Tây Ban Nha, nhưng vị trí thực sự là một biên giới trừu tượng của cũ so với mới, của những anh hùng lớn hơn ngoài đời đang mờ dần. Nó có một chiến thắng của bình luận chính trị bị chôn vùi và điện ảnh sử thi thuần khiết nhất. Henry Fonda, Icy Stare, nhà soạn nhạc Ennio Morricone, những cây đàn guitar Twangy của DOOM và Charles Bronson hoành tráng là tay súng cuối cùng (một cuộc đua cổ xưa) chỉ là ba lý do của một triệu để làm việc.It’s a triumph of buried political commentary and purest epic cinema. Henry Fonda’s icy stare, composer Ennio Morricone’s twangy guitars of doom and the monumental Charles Bronson as the last gunfighter (“an ancient race…”) are just three reasons of a million to saddle up.—Joshua Rothkopf

33. & nbsp; Alien (1979) Alien (1979)

Nếu tất cả những gì nó đã làm là ra mắt một nhượng quyền thương mại tập trung vào SigTHER Weaver, người sống sót khốc liệt (vẫn là một trong những nữ anh hùng hành động khó khăn nhất của điện ảnh), Ridley Scott, ngột ngạt, cố tình có nhịp độ kinh dị kinh dị khoa học viễn tưởng vẫn sẽ được củng cố trong bộ phim Canon. Nhưng người ngoài hành tinh tuyên bố tình trạng kiệt tác với chính trị giới tính lật đổ của nó (đây là một bộ phim mang thai nam), trung tâm gây sốc của nó và nhà thiết kế công nghiệp H.R. Craft Pure

34. & NBSP; Câu chuyện Tokyo (1951) Tokyo Story (1951)

Đơn giản chỉ cần quay, bộ phim nội địa của Yasujiro Ozu, nhỏ nhưng được hình thành hoàn hảo. Chishu Ryu và Chieko Higashiyama trang nghiêm và di chuyển khi cha mẹ đến thăm con cháu của họ, chỉ bị bỏ rơi. Được chơi một cách tinh tế, được quay đẹp mắt (thường là với chiếc máy ảnh lơ lửng trên mặt đất), kiệt tác Ozu, là bộ phim gia đình được trao cho sự hùng vĩ và thân mật. Nếu bạn yêu thích những người mua sắm năm ngoái, bạn sẽ yêu thích điều này.

35. & NBSP; Pulp Fiction (1994) Pulp Fiction (1994)

Những gì phần hay nhất của tiểu thuyết bột giấy? Cuộc thi xoắn tại Jack Rabbit Slim,? Bruce Willis so với Gimp? Jules sườn Ezekiel 25:17 độc thoại? Bộ phim Quentin Tarantino, kiếm được sự tò mò với những khoảnh khắc phim Grabby của nó nhưng tuyên bố tình trạng mọi thời đại với âm mưu nổi bật về chính tả, đối thoại có thể trích dẫn và hiểu biết đúng về hệ thống số liệu. Tiểu thuyết bột giấy đánh dấu thế hệ của nó sâu sắc như Star Wars trước nó; Đó là một sự khởi sắc của thái độ độc lập của thập niên 90 mà vẫn cảm thấy tươi mới mặc dù một quân đoàn bắt chước trò chuyện.

36. & nbsp; Truman Show (1998) The Truman Show (1998)

Những năm cuối thập niên 90 đã sinh ra hai câu chuyện truyền hình thực tế trước đó, khi nó vẫn còn trong giai đoạn tiền ký túc xá: EDTV bị đánh giá thấp và, điều này, Peter Weir, tuyên bố sâu sắc về cách truyền thông có móng vuốt ở Mỹ. Theo một cách nào đó, một phiên bản tử tế hơn của mạng lưới, Truman Show là một câu chuyện ngụ ngôn truyền hình trong đó một anh hùng nhu mì (Jim Carrey) chiến thắng cuộc đời anh ta. Nó cũng có thể được coi là một bộ phim giận dữ, đóng sầm cả các mạng truyền hình kiểm soát (được đại diện bởi Ed Harris, Messiah Like Christof) và chúng tôi, công chúng xem, vì đã thể hiện một trò chơi của những người khác.

37. & nbsp; Lawrence of Arabia (1962) Lawrence of Arabia (1962)

Các khái niệm về nam tính, tình dục mâu thuẫn và bản sắc bộ lạc (hoặc thiếu nó) sôi sục dưới bề mặt của sử thi lịch sử David Lean, như Magma. Họ thấm qua các vết nứt của sự miêu tả của nó là người du mục edwardian và lãnh đạo Ả Rập T E Lawrence (Peter O'Toole), định vị các mảnh lớn của nó trong la bàn megalomaniac của anh hùng và cho vay chiều sâu của nó trần. Giữa những cảnh quan Ả Rập quét, được chụp bởi nhà quay phim Freddie Young, nó là phong cảnh nội thất của chính Lawrence rằng bộ phim tiểu sử tuyệt vời này có thể ánh xạ rất đáng nhớ.David Lean’s historical epic like magma. They seeps through the cracks of its depiction of iconoclastic Edwardian nomad and Arab leader T E Lawrence (Peter O’Toole), locating its huge set pieces within the megalomaniac compass of its hero and lending depth to its intimate moments when the cost of all is laid bare. Amid its sweeping Arabian landscapes, famously captured by cinematographer Freddie Young’s cameras, it’s the interior landscape of Lawrence himself that this great biopic maps out so memorably.—Phil de Semlyen

38. & NBSP; Psycho (1960) Psycho (1960)

Sự thật thú vị: Psycho là bộ phim đầu tiên mô tả một nhà vệ sinh xả nước. Hạnh phúc thay, bộ phim kinh dị của Alfred Hitchcock, đã phá vỡ nền tảng mới theo những cách khác, từ việc thoát khỏi nữ anh hùng của mình trong lần thứ ba đầu tiên lặn sâu hơn vào một tâm trí điên cuồng (Bravo, Anthony Perkins) so với Hollywood đã quản lý trước đó. Quên các shenanigans tắm, phần cuối thật đáng sợ.

39. & nbsp; Sansho the bailiff (1954) Sansho the Bailiff (1954)

Điện ảnh Nhật Bản đã không thiếu những người đánh thuê nặng, nhưng đạo diễn Kenji Mizoguchi có thể xứng đáng có vị trí. Anh ấy đã có thể tạo ra những câu chuyện ma hoàn hảo (UGETSU) và các bộ phim truyền hình ở hậu trường (câu chuyện về hoa cúc cuối cùng), nhưng đặc điểm lớn nhất của anh ấy là một sự đồng cảm sâu sắc, không thể lay chuyển đối với phụ nữ, bị đánh bại bởi sự gia trưởng nhưng đau lòng trong sự đau khổ của họ. Những người phụ nữ này là trung tâm của Sansho the Bailiff, một câu chuyện phong kiến ​​về sự giải thể gia đình sẽ phá hỏng bạn. Không xin lỗi cho nước mắt của bạn; Mọi người khác cũng sẽ khóc.

40. & nbsp; Andrei Rublev (1966) Andrei Rublev (1966)

Đạo diễn thương tiếc, đầy thách thức và mê hoặc, đạo diễn của Liên Xô Andrei Tarkovsky, bức chân dung sử thi về cuộc đời và thời đại của một trong những họa sĩ biểu tượng thời trung cổ nổi tiếng nhất của Nga, những phẩm chất nổi tiếng như cảnh quan và tâm trạng về câu chuyện và nhân vật. Cuối cùng, đó là câu chuyện về một người đàn ông cố gắng vượt qua cuộc khủng hoảng niềm tin của mình vào một thế giới dường như có một nguồn cung cấp bạo lực và xung đột vô tận và đó là một minh chứng đáng chú ý cho sự kiên trì của các nghệ sĩ làm việc dưới chế độ áp bức.

41. & nbsp; những chiếc ô của Cherbourg (1964) The Umbrellas of Cherbourg (1964)

Sự u sầu của điểm số vinh quang của Michel Legrand, đã cuốn trôi những người xem trái tim từ khoảnh khắc đầu tiên của Jacques Demy, không có điều kiện, hát qua nhạc kịch. Một trong những bộ phim lãng mạn nhất từng được thực hiện về những nỗi đau và sự thuần khiết của tình yêu đầu tiên, The Infil Streated The Umbrellas of Cherbourg đã thách thức các vở nhạc kịch Hollywood nhẹ nhàng hơn của thời đại (như âm nhạc và người phụ nữ công bằng của tôi) và đưa Catherine Deneuve giật gân vào Ngôi sao quốc tế. Sau đó, nó sẽ là một ảnh hưởng lớn đến La La Land.

42. Chinatown (1974)

Director Roman Polanski and screenwriter Robert Towne took a modestly sleazy noir setup and turned it into a meditation on the horrors of American history and rapacious capitalism. The film also sports a perfect cast, with a top-of-his-game Jack Nicholson as a cynical private eye, an impossibly alluring Faye Dunaway as the femme fatale with a past so dark her final revelation still shocks, and the legendary John Huston as the monstrous millionaire at the heart of it all.—Bilge Ebiri

43. The Seventh Seal (1957)

Not just any film gets homaged by Bill and Ted. But Ingmar Bergman’s great treatise on mortality isn’t just any film. Despite becoming somehow synonymous with “difficult art-house statement,” it’s not all weighty themes, plague-strewn landscapes and chess games with the Grim Reaper. As Max von Sydow’s medieval knight travels the land witnessing the apocalypse, loads of life-affirming moments lighten the load. Of course, it’s a work of profound philosophical thought, too, so you’ll feel brainier for having seen it.—Phil de Semlyen

44. Lost in Translation (2003)

Worlds collide in Sofia Coppola's pitch-perfect tale of a movie star (Bill Murray) and a newlywed (Scarlett Johansson) in Tokyo. Coppola approaches each of her characters with a warmth and sensitivity that exudes from the screen—and ensures that “Brass in Pocket” will remain a karaoke favorite around the world (pink wig optional). Why has the film endured so vividly in viewers’ hearts? Maybe because it captures those gloriously melancholic moments we’ve all experienced that seem to be gone in a flash, yet linger forever.—Anna Smith

45. Taxi Driver (1976)

A time capsule of a vanished New York and a portrait of twisted masculinity that still stings, Taxi Driver stands at the peak of the vital, gritty auteur-driven filmmaking that defined 1970s New Hollywood. Martin Scorsese’s vision of vigilantism is filled with an uncomfortable ambience, and Paul Schrader’s screenplay probes philosophical depths that are brought to vicious life by Robert De Niro’s unforgettable performance.—Abbey Bender

46. Spirited Away (2001)

The jewel in Japanese animation studio Studio Ghibli’s crown, Spirited Away is a glorious bedtime story filled with soot sprites, monsters and phantasms—it’s a movie with the power to coax out the inner child in the most grown-up and jaded among us. A spin on Alice's Adventures in Wonderland (with the same invitation to follow your imagination), Spirited Away has been ushering audiences into its dream world for almost two decades and seems only to grow in stature each year, a tribute to its hand-drawn artistry. Trivia time: It remains Japan’s highest-grossing film ever, just ahead of Titanic.—Anna Smith

47. Night of the Living Dead (1968)

The first no-budget horror movie to become a bona-fide calling card for its director, George A. Romero’s seminal frightfest begins with a single zombie in a graveyard and builds to an undead army attacking a secluded house. Most modern horror clichés start here. But nothing betters it for style, mordant wit, racial and political undertow, and scaring the bejesus out of you, all some 50 years before Us.—Ian Freer

48. Battleship Potemkin (1925)

This rousing Russian silent film was conceived in the heat of Soviet propaganda and commissioned by the still-young Communist government to salute an event from 20 years earlier. It tells of a sailors’ revolt that morphs into a full-blown workers’ uprising in the city of Odessa; the movie is most famous for one breathtaking sequence—much copied and parodied since—of a baby carriage tumbling down a huge flight of steps. But Battleship Potemkin is full of powerful images and heady ideas, and director Sergei Eisenstein is rightly considered one of the pioneers of early film language, with his influence felt through the decades.—Dave Calhoun

49. Modern Times (1936)

The only Charlie Chaplin movie to see the Little Tramp go on a massive cocaine binge, this relentlessly inventive silent classic hardly needs the added kick. The gags come almost as fast as you can process them, with the typically pinpoint Chaplin slapstick conjured here from scenarios that seem purpose-built to end in disaster. The sight of Chaplin literally feeding himself into a massive machine offers a still-germane satire on technological advancement.—Phil de Semlyen

50. Breathless (1960)

Film critic Jean-Luc Godard’s seismic directing debut is a bravado deconstruction of the gangster picture that also reinvented moviemaking itself. It features Cubistic jump cuts, restless handheld camerawork, location shoots, eccentric pacing (the 24-minute centerpiece is two lovers talking in a bedroom), and self-conscious asides about painting, poetry, pop culture, literature and film. A sexy fling between petty thief Jean-Paul Belmondo and Sorbonne-bound gamine Jean Seberg morphs into an oddly touching, existential meditation. It’s pulp fiction, but alchemically profound.—Stephen Garrett

51. & nbsp; dr. Strangelove hoặc: Làm thế nào tôi học cách ngừng lo lắng và yêu thích quả bom (1964) Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964)

Rất nhiều thiên tài Stanley Kubrick, là khái niệm, và câu hỏi này đặt ra câu hỏi táo bạo nhất của anh ấy: Điều gì sẽ xảy ra nếu thế giới kết thúc và nó thật vui nhộn? Sự hủy diệt hạt nhân là một chủ đề trong đó Kubrick đắm mình, đọc hầu như mọi văn bản không được phân loại. Kết luận của anh ấy thật nghiệt ngã: sẽ không có chiến thắng. Thông qua Darkest Comedy (cách duy nhất vào chủ đề) và một người bán Peter vô tư chơi ba phần riêng biệt, Kubrick đã đưa ra quan điểm của mình.

52. & NBSP; M (1931) M (1931)

Một trong những bộ phim thời đại đó, chỉ có một số ít người nằm trên sự phân chia giữa rạp chiếu phim im lặng và kỷ nguyên âm thanh nhưng lại nhìn vào những đức tính của cả hai, bộ phim kinh dị của Fritz Lang Trong hội trường của Vua núi, (được thực hiện bởi một chiếc Lang có ví; ngôi sao của anh ta, Peter Lorre, không thể huýt sáo). Chủ đề của bộ phim là cảnh giác: Chúng ta phải bảo vệ con cái của mình, nhưng ai sẽ bảo vệ xã hội khỏi chính nó? M giống như một sonar lắng nghe một Đức phát xít Đức trên đỉnh của con người của nó.

53. & NBSP; Blade Runner Blade Runner

Lấy bối cảnh (EEK!) 2019, Tầm nhìn của Ridley Scott, về một tương lai dystopian là một trong những bộ phim khoa học viễn tưởng phong cách nhất mọi thời đại. Với một thẩm mỹ lấy cảm hứng từ noir và điểm tổng hợp ám ảnh của Vangelis (một ảnh hưởng lớn đối với Hoàng tử), Blade Runner là biểu tượng không chỉ cho vẻ ngoài xác định thời đại của nó, mà còn cho cuộc kiểm tra triết học sâu sắc hơn về ý nghĩa của con người. Nhiều người đã cố gắng bắt chước bộ phim Vibe Uncanny Vibe, nhưng những con đường đầy mưa và những khung cảnh hạt giống này sở hữu một mối đe dọa đơn lẻ.

54. & nbsp; những giọt nước mắt cay đắng của Petra von Kant (1972) The Bitter Tears of Petra von Kant (1972)

Sự phong phú sáng tạo của Rainer Werner Fassbinder, đã chết vì quá liều ở tuổi 37 sau khi hoàn thành hơn 40 tính năng, xứng đáng được bảo vệ bởi một thế hệ mới. Bộ phim này được cho là sắc bén nhất và phức tạp nhất về mặt tâm lý; Không thể tin được, nó là người bitchiest của anh ấy. Có rất nhiều tình yêu trong trận đấu trên tấm trải thảm của Fassbinder, vượt xa cảnh tượng của hai tín đồ thời trang đấu tay đôi trong một cuộc thám hiểm sâu sắc về sự lão hóa và lỗi thời.

55. & NBSP; Rome, Open City (1945) Rome, Open City (1945)

Một số chuyển động của bộ phim có thể tự hào về tỷ lệ đình đám của chủ nghĩa thần kinh Ý, một làn sóng sau Thế chiến dành riêng cho cuộc đấu tranh của tầng lớp lao động dường như chỉ bao gồm các kiệt tác. Robert Rossellini chịu trách nhiệm cho một vài người trong số họ, bao gồm cả năm 0 của Đức và bộ phim đàn áp và kháng chiến trước đó, không có một trong hai trong số những cảnh chết đáng nhớ nhất trong tất cả các điện ảnh.

56. & nbsp; Nosferatu (1922) Nosferatu (1922)

Niềng răng cho vùng đất phantoms và tiếng gọi của con chim tử thần: một trong những điều chỉnh sớm nhất (mặc dù trái phép) của Dracula vẫn là điều đáng sợ nhất. Hiệu suất giống côn trùng của Max Schreck, khi Bá tước khát máu Orlok cũng như truyền tải và phản cảm như gần một thế kỷ trước. Giám đốc biểu hiện người Đức F.W. Murnau, những hình ảnh ám ảnh về một thế giới crepuscular đặt ra tiêu chuẩn lạnh lùng cho các thế hệ ác mộng điện ảnh.

57. & nbsp; máy bay! (1980) Airplane! (1980)

Với khoảng 6.500 Zingers để lựa chọn, mọi người đều có chiếc máy bay yêu thích của họ! bịt miệng. Đạo diễn David và Jerry Zucker và đối tác của họ trong sự cực đoan cực độ, Jim Abrahams, thực sự đã ném bồn rửa nhà bếp vào trò giả mạo chóng mặt này của những bộ phim thảm họa của thập niên 70, tất cả đều là cơn thịnh nộ vào thời điểm đó. Hài kịch trên màn hình, đến lượt nó, đã được hiện đại hóa cho những gì sẽ là thập kỷ biến đổi nhất của nó. Trò đùa yêu thích của chúng tôi? Có vẻ như tôi đã chọn sai tuần để bỏ amphetamines.

58. & nbsp; dưới da (2013) Under the Skin (2013)

Thôi miên, say mê, kích thích tư duy, đáng lo ngại, kinh hoàng: Tuy nhiên, bạn phản ứng với nó, bạn sẽ không quên sự chuyển thể đáng kinh ngạc của Jonathan Glazer trong cuốn tiểu thuyết phụ nữ của Michel Faber. Sử dụng người nổi tiếng của mình một cách cấp tiến, Scarlett Johansson hoàn toàn được chọn làm người ngoài hành tinh ở dạng người, người đi lang thang ở Glasgow đang cố gắng đón những người đàn ông trong chiếc xe tải của cô. Nó được quay theo phong cách du kích trên đường phố của thành phố Scotland, vì vậy hãy tìm kiếm những cảnh quay của những người qua đường thực sự khó khăn.

59. & NBSP; Mad Max: Fury Road (2015) Mad Max: Fury Road (2015)

Cả phần tiếp theo và phần khởi động lại, mục thứ tư trong loạt đạo diễn George Miller, loạt bài sử thi sau tận thế hậu tận thế hợp nhất các pha nguy hiểm bất chấp cái chết với các hiệu ứng đặc biệt hiện đại để cung cấp cho chúng ta một trong những bộ phim hành động tuyệt vời mọi thời đại. Đây là một loạt các cuộc rượt đuổi không ngừng nghỉ, mỗi lần công phu và ác mộng một cách ngoạn mục hơn so với lần cuối cùng nhưng tất cả đều kết hợp với Miller Siêu thực, sự nhạy cảm thơ mộng, đưa nó vào vương quốc của nghệ thuật.

60. & nbsp; Apocalypse Now (1979) Apocalypse Now (1979)

Cuộc chiến cổ điển của Francis Ford Coppola, Evergreen Việt Nam chứng minh chiến tranh là sự phẫn nộ, khi sát thủ Martin Sheen đứng đầu để giết Đại tá Renegade Marlon Brando. Trên đường đi, có Lướt sóng, một cuộc đột kích trực thăng ly kỳ, có mùi Napalm, hổ và thỏ playboy, cho đến khi Sheen bước ra khỏi thuyền và vào một khu vực điên rồ khác hay đó là thiên tài? Ai biết được vào thời điểm này?

61. & NBSP; Brokeback Mountain (2005) Brokeback Mountain (2005)

Quên những gì The Oscar đăng quang là bức tranh hay nhất của năm 2005: Ang Lee, bi thảm của người đồng tính là người được đề cử đứng trước thử thách của thời gian. Được neo bởi điện ảnh ngất ngây Rodrigo Prieto, và một sổ cái Heath đầy đặn (có hiệu suất lật đổ nhận thức xã hội về nam tính), Brokeback Mountain là một cột mốc quan trọng trong rạp chiếu phim nghệ thuật LGBTQ. Nó đã mô phỏng lại thể loại phương Tây và trở thành một phần của Zeitgeist.

62. & nbsp; súp vịt (1933) Duck Soup (1933)

Chia những châm biếm chính trị không cần phải dài và phức tạp: Kiệt tác dài 68 phút này là hoàn hảo, phơi bày những điều phi lý của chính trị quốc tế với sự dí dỏm nhanh chóng và tát. Thường được coi là người hài hước nhất trong số các anh em Marx, bộ phim cũng là một người khác, vì sự miêu tả của nó về một chế độ độc tài chiến tranh vẫn còn liên quan đến ngày nay.

63. & NBSP; Dự án phù thủy Blair (1999) The Blair Witch Project (1999)

Một lựa chọn không thể? Không phải khi bạn xem xét cảm giác ngân sách thấp trong bối cảnh lớn hơn. Nhiều bộ phim xuất hiện từ Sundance với một tiếng ồn ào điếc; Làm thế nào để bạn giải thích một tổng doanh thu phòng vé toàn cầu trị giá 250 triệu đô la? Tín dụng một chiến dịch internet mang tính cách mạng, ma quái và nhập vai, đó là một chiến thuật trong mỗi vở kịch của nhà báo. Và hãy để không quên bộ phim, đã khởi động xu hướng của Found Found-Footage. Thậm chí còn tiên tri hơn, Dự án Phù thủy Blair nói về một thế hệ có thể tự quay phim, ngay cả khi bị mất trong khu rừng, nó là con số không cho kinh dị selfie.

64. & nbsp; tất cả các tổng thống nam (1976) All the President’s Men (1976)

Với Ink hầu như không bị ướt đối với sự từ chức của Richard Nixon, năm 1974, đạo diễn Alan J. Pakula, nhà sản xuất diễn viên Robert Redford và nhà biên kịch William Goldman đã tạo ra một bài báo nóng bỏng về sự đột phá của Watergate với sự căng thẳng của dây trực tiếp. Đây là công việc điều tra bằng đá từ mũi trong một thế giới tương tự, nghĩ rằng điện thoại quay, máy đánh chữ điện, ghi chú viết tay trên các miếng đệm hợp pháp, chỉnh sửa màu đỏ và máy photocopy Xerox và một lớp chính trong việc làm cho đối thoại phim hoàn toàn hấp dẫn. Nó là một điểm nhấn thiết yếu cho mọi phim kinh dị chính trị kể từ đó.

65. & NBSP; Bộ ba APU (1955, 1956, 1959) The Apu trilogy (1955, 1956, 1959)

Chúng tôi lừa dối bằng cách bao gồm cả ba bộ phim (Pather Panchali, Aparajito và thế giới APU), nhưng thực sự, làm thế nào để bạn phân tách các phần của bộ ba Satyajit Ray, tuyệt vời? The Great Great theo sau APU trẻ tuổi (Apurba Kumar Roy) từ thời niên thiếu đến cuộc sống trưởng thành qua trường học và chuyển từ ngôi làng xa xôi của anh đến thành phố lớn, cũng như tình yêu và mất mát. Một số điện ảnh Ấn Độ thân mật nhất từng bị bắt, nó cũng hoàn toàn dễ hiểu, cho dù bạn đến từ Kolkata, Kansas hay Camden Town.

66. & nbsp; The General (1926) The General (1926)

Cậu bé gặp tàu. Cậu bé mất tàu. Cậu bé đuổi theo các lực lượng Liên minh đã đánh cắp tàu hỏa, giành lại tàu hỏa và bắn ra theo hướng ngược lại. Nghe có vẻ không giống như câu chuyện tình yêu trung bình của bạn, nhưng đó chính xác là những gì mà Buster Keaton, người chết chóc và bộ phim hài im lặng bất chấp cái chết là: một cuộc biểu tình hùng vĩ về nhiếp ảnh lừa, lòng can đảm bóng và thời gian truyện tranh, tất cả đều được củng cố bởi trái tim chân thật. Tin tưởng chúng tôi, nó

67. & nbsp; Ánh nắng vĩnh cửu của tâm trí không tì vết (2004) Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Có vô số bộ phim về các mối quan hệ lãng mạn, nhưng rất ít người khám phá chủ đề một cách sáng tạo hơn so với đột phá của Michel Gondry, được viết bởi Charlie Kaufman (người sau đó trở thành một cái tên quen thuộc với John Malkovich và chuyển thể). Câu chuyện được xử lý của Sci-Fi, về hai nửa của một cặp vợ chồng chia tay trải qua một quy trình giải quyết bộ nhớ có nhiều bước ngoặt đáng ngạc nhiên, sâu sắc; Bộ phim có thể thực hiện hoàn hảo sự kết hợp của hình ảnh kỳ quặc chính xác và điều tra triết học đã trở thành một dấu hiệu của điện ảnh độc lập hiện đại.

68. & NBSP; Chuỗi Texas Saw Massacre (1974) The Texas Chain Saw Massacre (1974)

Tiêu đề vẫn là một phần tiếp thị giết người, gợi ý một cái gì đó gorier nhiều hơn những gì bạn nhận được. Điều đó không thể nói là kiệt tác của Tobe Hooper, không cung cấp. Một tầm nhìn khủng khiếp về kinh dị được ghi lại trong một mùa hè Texas mồ hôi và mùi hôi thối, bộ phim đã trở thành một câu chuyện ngụ ngôn dứt khoát của chiến tranh giai cấp Nixonia, sự ghen tị xã hội ăn thịt và ăn thịt và bản chất không thể biết được của một số phần không may mắn của Thế giới. Joshua Rothkopf

69. & nbsp; đến và xem (1985) Come and See (1985)

Không biết gì như rạp chiếu phim, ảnh hưởng của bộ phim chiến tranh Elem Klimov, Sui Generis vượt qua thể loại này theo cách mà ngay cả Steven Spielberg tựa Saving Ryan có thể phù hợp. Tại trung tâm của nó, nó là một câu chuyện sắp đến tuổi kể về một cậu bé Bêlarut (Aleksei Kravchenko) thông qua kinh dị không thể nói được khi các đội tử thần của Đức Quốc xã đến thăm một ngày tận thế trên khu vực của anh ta. Bên cạnh những sự thật lịch sử của nó, bộ phim ngữ pháp và ngôn ngữ thị giác của bộ phim, có những đoạn văn chơi như một chuyến đi axit cực kỳ bạo lực là những gì thực sự nâng cao nó. Giống như một kiệt tác Hieronymousus Bosch, những hình ảnh ở đây không bao giờ có thể thấy được.

70. & nbsp; Heat (1995) Heat (1995)

Nhà văn-đạo diễn Michael Mann, kiệt tác cướp biển đã đưa hai diễn viên vĩ đại nhất của chúng tôi, Robert de Niro và Al Pacino, lần đầu tiên trên màn hình của một tên tội phạm khắc nghiệt, còn lại là cảnh sát ám ảnh quyết định hạ gục anh ta. Khi kết hợp những câu chuyện của họ với nhau, Mann trình bày những quan điểm đấu tay đôi nhưng không kém phần có trọng lượng, với lòng trung thành của chúng tôi khi người xem liên tục thay đổi. Lời cuối cùng trên các bộ phim cảnh sát và robbers, nó tràn ngập một phép thuật mà các phim kinh dị tội phạm cố gắng lấy lại cho đến ngày nay.

71. & nbsp; The Shining (1980) The Shining (1980)

Danh sách của chúng tôi không thiếu các bộ phim Stanley Kubrick (cũng không nên). Tuy nhiên, nó gây sốc khi nhớ rằng sự sáng chói của đạo diễn, các chủ đề thú cưng của đạo diễn về nỗi ám ảnh của Mazelike và sự cấm đoán của cái ác đã từng được coi là một tác phẩm nhỏ. Nó từ đó đến để đại diện cho vụ nổ tập trung nhất của bộ chỉ huy Kubrick,; Anh ấy là vị thần của bộ phim, Steadicam-ing quanh các góc và khiến khán giả chú ý rằng anh ấy được sinh ra để xác định lại nỗi kinh hoàng. Ngay cả khi chúng ta có thể lăn lộn với các lý thuyết của người hâm mộ Crackpot về cách Kubrick bị cáo buộc giả mạo Apollo Moon Landing, chúng ta sẽ dễ dàng thừa nhận rằng bộ phim này chứa nhiều người vũ trụ.

72. & NBSP; Toy Story (1995) Toy Story (1995)

Một trong đó có bóng Pixar, (Luxo) và vẫn là một dấu hiệu nước cao tuyệt đối cho hoạt hình CG, Toy Story đã phát minh lại những bộ phim gia đình có thể là gì. Nhìn bề ngoài, nó là một câu chuyện đơn giản về một vài đối thủ thu nhỏ kích thước nhau (Woody ban đầu sẽ trở thành một mớ hỗn độn), trước khi rơi vào tình trạng nguy hiểm dưới bàn tay của thiên tài pháo hoa bên cạnh Sid. Nhưng nó cũng về sự ghen tuông, động lực sức mạnh và mối quan hệ của chúng ta với thời thơ ấu của chúng ta. Với nó, Pixar đã kể chuyện đến vô cùng và xa, vượt xa.

73. & nbsp; Killer of Sheep (1977) Killer of Sheep (1977)

Được quay trên bộ phim 16 mm trong ánh sáng sơ sài, các bài luận văn luận án tốt nghiệp của Charles Burnett, UCLA có vẻ như những họa tiết có vẻ trần tục để tạo thành một bức tranh khảm hấp dẫn của cuộc sống người Mỹ gốc Phi cuối thập niên 70. Một địa danh của điện ảnh đen độc lập, nó đã đặt ra một bản nhạc tuyệt vời, từ blues và cổ điển đến Paul Robeson. Thơ ca, từ bi, tức giận, mỉa mai: Tất cả cuộc sống của con người có mặt ở đây.

74. & nbsp; một người phụ nữ dưới ảnh hưởng (1974) A Woman Under the Influence (1974)

Có một xu hướng trong các bài tập lớn nhất trong tất cả các bài tập thời gian nhất để ưu tiên đạo diễn, người quay phim hoặc kịch bản. Nhưng sự tôn trọng cũng phải được trả cho người biểu diễn: trong một thập kỷ diễn xuất xuất sắc, không có lượt nào được mạ kẽm như một cuộc diễn xuất của Gena Rowlands trong cái nhìn tuyệt đẹp này vào một tâm trí sờn. Một bà nội trợ và mẹ của Los Angeles, người liên tục được bảo phải bình tĩnh, Rowlands, Mabel là sự bào chế của rạp chiếu phim ngẫu hứng của John Cassavetes; Mối quan tâm của chúng tôi đối với cô ấy không bao giờ cờ khi cô ấy đi qua những cảnh suy sụp và tập hợp lại.

75. & NBSP; Annie Hall (1977) Annie Hall (1977)

Trích dẫn, đáng yêu và bùng nổ với những khoảnh khắc sáng tạo, Annie Hall là một trong những bộ phim hài lãng mạn nhất. Bộ phim tinh túy ở New York này đã biến vô số người xem thành niềm vui của cuộc đối thoại dài dòng (và thử nghiệm trang phục nam cho phụ nữ), và từ lâu đã được ca ngợi về cả khả năng tiếp cận và sự sâu sắc của nó, một sự cân bằng mà một số bộ phim đã đạt được một cách đáng nhớ. Bender

76. & nbsp; một số thích nó nóng (1959) Some Like It Hot (1959)

Clock nó ở vị trí thứ 15 trong danh sách 100 bộ phim hài vĩ đại nhất của chúng tôi từng được thực hiện, trò chơi trò chơi gangster cổ điển của Billy Wilder, chơi như Scarface trên Helium. Tony Curtis và Jack Lemmon làm cho một trong những bộ phim này, hai người đóng vai trò là một vài nhạc sĩ trên đường chạy từ đám đông, nhưng Marilyn Monroe đánh cắp bức tranh như đường coquettish, hơi thở và hoàn toàn đáng yêu. Không ai hoàn hảo nhưng bộ phim này trở nên khá gần gũi.100 Greatest Comedies Ever Made, Billy Wilder’s classic gangster farce plays like Scarface on helium. Tony Curtis and Jack Lemmon make one of cinema’s most delightful double acts as a couple of musicians on the run from the Mob, but Marilyn Monroe steals the picture as the coquettish, breathy and entirely loveable Sugar. Nobody’s perfect but this movie gets pretty darn close.—Phil de Semlyen

77. & nbsp; Metropolis (1927) Metropolis (1927)

Rất tốn kém trong thời gian đó, Metropolis là Blade Runner, Kẻ hủy diệt và Chiến tranh giữa các vì sao đã được chuyển thành một (chưa kể 50 năm trước). Tầm nhìn im lặng của Fritz Lang, về một xã hội toàn trị vẫn còn kinh ngạc thông qua các cảnh quan thành phố tuyệt đẹp, các hiệu ứng đặc biệt đột phá và một robot xấu xa kỳ dị (Brigitte Helm). Nó khoa học viễn tưởng về sự tham vọng và ngoạn mục nhất của nó, sự khởi đầu không phải là hiện đại của thể loại trên màn hình nghiêm túc.

78. & nbsp; Falcon Malta (1941) The Maltese Falcon (1941)

Sự khôn ngoan được chấp nhận là thời đại Noir thực sự đã khởi đầu trong những năm sau chiến binh khó tính, khiến John Huston, chuyển thể từ tiểu thuyết thám tử của Dashiell Hammett trở thành một người theo dõi thực sự. Đó là một khuôn mẫu cho các bộ phim không theo dõi của Noir, mang đến một chiếc kẹo cao su đầy rẫy nhưng hay trong Sam Spade của Humphrey Bogart, một người phụ nữ Fatale (Mary Astor), một vài nhân vật phản diện shifty (Sydney Greenstreet, Peter Lorre) và một Labyrinthine âm mưu kéo bạn qua mũi. Nếu bộ phim được luộc cứng hơn, bạn sẽ bẻ răng trên đó.

79. & nbsp; Đây là Spinal Tap (1984) This Is Spinal Tap (1984)

Những người chơi trống phát nổ, amps đi đến 11, Stonehenges nhỏ bé, Hồi Dobly, bộ phim tài liệu rock giả mạo này, nếu bạn phải có ảnh hưởng lớn đến điện ảnh, cringe hài kịch và, có thể là ngành công nghiệp âm nhạc. . Ngay sau bộ phim này, khách đã khởi động thương hiệu hài hước của đạo diễn của riêng mình, được truyền cảm hứng trực tiếp từ sự châm biếm kim loại nặng của Rob Reiner.

80. & nbsp; nó đã xảy ra một đêm (1934) It Happened One Night (1934)

Nếu chỉ có Hollywood làm cho em như họ đã từng: những bộ phim hài lãng mạn đang chinh phục giải Oscar. Câu chuyện tình yêu đáng sợ đầu tiên vui nhộn của Frank Capra vẫn là một trong những bộ phim nhanh nhất từng được thực hiện. Người thừa kế hư hỏng của Claudette Colbert, và phóng viên cơ hội của Clark Gable, đã lên đường và cãi nhau về phía một kết thúc hạnh phúc, sau khi bị nguyền rủa. Không chỉ hình dạng bóng ném trước mã thông minh và gợi cảm này mỗi hình rom-com theo sau, nó còn có một chân lên hầu hết trong số họ.

81. & nbsp; Die Hard (1988) Die Hard (1988)

Hãy để điều này ra khỏi con đường: Die Hard là một bộ phim Giáng sinh. Đối phó với nó. Một tuyên bố khác, ít gây tranh cãi hơn về bộ phim bom tấn của John McTiernan, đó là lý tưởng Platonic của một bộ phim hành động, và Bruce Willis trong vai cảnh sát Wisease New York John McClane là anh hùng hành động tuyệt vời nhất mọi thời đại. Các phần tiếp theo sẽ kéo dài giới hạn của sự lôi cuốn của anh ta bằng cách trở nên lớn hơn và ngu ngốc hơn, nhưng bản gốc đã đạt được số lượng hoàn hảo của to lớn và thô lỗ, khi McClane cố gắng ngăn chặn các kế hoạch của một nhóm khủng bố châu Âu đã nắm bắt được một người cao cấp LA và đưa vợ anh ta con tin. Nhưng lý do chân thật nhất chết cứng thành công ở mức độ của nó - ngoài cuộc đối thoại nứt nẻ, những pha nguy hiểm ngoạn mục và các chi tiết nhỏ, tức là McClane bị buộc phải chiến đấu với một loạt những kẻ khủng bố ở chân trần - là McClane có giấy bạc lý tưởng trong Alan Rickman's Hans Gruber, người cũng có thể là nhân vật phản diện phim hành động hay nhất mọi thời đại, một người giả cách cách mạng uyên bác, người nói rõ rằng anh ta đọc Forbes và không quan tâm nhiều đến những chàng cao bồi Mỹ.Die Hard is a Christmas movie. Deal with it. Another, less controversial statement about John McTiernan’s blockbuster: it’s the platonic ideal of an action movie, and Bruce Willis as wiseass New York cop John McClane is the coolest action hero of all-time. The sequels would stretch the limits of his charisma by getting bigger and stupider, but the original hits the perfect amount of big and brash, as McClane attempts to thwart the plans of a European terrorist group that’s seized an LA high-rise and taken his wife hostage. But the truest reason Die Hard succeeds to the degree it does – aside from the cracking dialogue, spectacular stunts and small details, i.e. McClane being forced to fight a bunch of terrorists in his bare foot – is that McClane has the ideal foil in Alan Rickman’s Hans Gruber, who might also be the best action movie villain of all-time, an erudite pseudo-revolutionary who makes it clear that he reads Forbes and doesn’t much care for garrulous American cowboys.

82. & NBSP; Người tuân thủ (1970) The Conformist (1970)

Ở Mussolini, Ý, một người đồng tính bị kìm nén (Jean-Louis Trintignant) tham gia vào bữa tiệc phát xít để hòa nhập và che giấu con người thật của mình. Một phần phiên phân tâm học, một phần thể loại đầy màu sắc Fantasia, đạo diễn Bernardo Bertolucci, những bộ phim truyền hình có ảnh hưởng lớn qua các phong cách và thẩm mỹ khác nhau. Nhiều như Orson Welles, Citizen Kane đã làm với các bộ phim của những năm 20, 30 và đầu thập niên 40, người tuân thủ cung cấp một bản tóm tắt mạnh mẽ về các kỹ thuật điện ảnh từ thời đại trước đó.

83. & nbsp; The Thing (1982) The Thing (1982)

Hãy để John Carpenter, kiệt tác thực sự, một trong những người kinh dị mà Mavens cúi đầu xuống để đặt vị trí của nó trong Pantheon. Một dự án đam mê đã được các nhà phê bình và các nhà phê bình cồng kềnh, trên thực tế, điều đó là hiếm nhất về việc làm lại: một điều cải thiện nguồn gốc của nó. Sự thanh lịch và sự tối giản của người thợ mộc và tối giản synth (ở đây được nhà soạn nhạc Ennio Morricone tiếp tục tiếp tục) đã tìm thấy một đối trọng mới trong một số hiệu ứng đặc biệt thực tế kinh tởm nhất từng xuất hiện đối với khán giả trả tiền. Nhưng bộ phim hoang tưởng lạnh như băng, không bị cắt và cấp dược phẩm, là di sản lâu dài nhất của nó: một khuôn mẫu hoàn hảo cho tất cả mọi người kể từ đó.

84. & nbsp; con gái của bụi (1991) Daughters of the Dust (1991)

Nhà văn-đạo diễn Julie Dash nên trở thành một thành công ở cấp độ Ava Duvernay sau khi ra mắt tính năng thơ mộng của cô, một thành tựu của vẻ đẹp khác. Bộ phim đầu tiên được thực hiện bởi một phụ nữ Mỹ gốc Phi để nhận được sự phân phối sân khấu, con gái của bụi được thấm nhuần với niềm tự hào, lịch sử và trí tuệ mẫu hệ. Lấy bối cảnh vào năm 1902, nó đi theo Gullah, hậu duệ của những người nô lệ sống ngoài khơi bờ biển Nam Carolina, những người đau khổ với truyền thống mờ nhạt của họ. Một cách đơn giản trước thời đại của nó, các cô con gái thương tiếc về bi kịch lâu dài của sự nô lệ. Sức mạnh yên tĩnh của nó sau đó đã tìm thấy một tiếng vang trong Beyoncé chanh Lemonade.

85. Barry Lyndon (1975)

Back in 1975, Stanley Kubrick’s somber adaptation of William Makepeace Thackeray’s novel about a young Irishman’s journey from lovestruck exile to cynical grifter in 18th-century Europe seemed out of step with the gritty, intense output of contemporary cinema. Years later, it’s considered by many to be Kubrick’s masterpiece, and its deliberate, highly aestheticized approach has influenced everybody from Ridley Scott to Yorgos Lanthimos.—Bilge Ebiri

86. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese’s hallucinogenic biography of the tenacious boxer Jake LaMotta (Robert De Niro) is a bold mash-up of neorealist grit and hyperstylized, gossamer beauty. Put on the gloves and LaMotta is in his element; take them off and he’s an insecure sociopath consumed by sexual jealousy. De Niro’s monstrous portrayal is miraculously empathetic, but what’s truly revolutionary is Scorsese’s technique: Like a modern-day Verdi, the Italian-American auteur elevates the profane to the operatic.—Stephen Garrett

87. Seven (1995)

David Fincher is the most signature director of his era: a crafter of iconic music videos and decade-defining dramas like Zodiac and The Social Network. But his transition to Hollywood was rocky; it was a town that barely understood him. The turning point was Seven, the first time that Fincher’s fearsome vision arrived uncut. Stylistically, the dark movie (shot by an inspired Darius Khondji, working with a silver-nitrate-retention process) has proven more durable than even The Silence of the Lambs, but it’s that meme-able sucker punch of an ending that still rattles audiences.—Joshua Rothkopf

88. Aguirre, the Wrath of God (1972)

Ever-overshadowed by the Herculean feat that was Fitzcarraldo, Werner Herzog’s other exploration of male vainglory in the remotest parts of South America applies another coolly obversational lens to the malignant madness of out-of-control obsession. It’s colder, greedier here: Klaus Kinski’s conquistador craves gold, not culture. Featuring a river journey, a haunting, synthy Popul Voh score and a bunch of taunting monkeys, it’s Herzog’s Apocalypse Now.—Phil de Semlyen

89. The Battle of Algiers (1966)

Political thrillers still owe a debt to Gillo Pontecorvo’s ever-timely tour de force. Recounting the Algerian uprising against French colonial occupiers in the 1950s, The Battle of Algiers boldly examines terrorism, racism and even torture as a means of intelligence-gathering. Screened at the Pentagon for its topical significance during the early phases of the Iraq War, Algiers has its rebellious legacy vested in numerous politically charged epics, from Z to Steven Spielberg’s Munich.—Tomris Laffly

90. Women on the Verge of a Nervous Breakdown (1988)

Pedro Almodóvar broke into the mainstream with this gloriously colorful ensemble comedy, an entry point for many into a style of smart, sexually liberated European cinema. Women on the Verge of a Nervous Breakdown offers juicy roles for a range of Spain’s finest female actors (plus a charmingly baby-faced Antonio Banderas) and consistently delights with its creative choices in costuming and interior design. The combination of screwball dynamics and the garishness of the 1980s is perfectly calibrated and fun.—Abbey Bender

91. Boyhood (2014)

Shot over 12 years with a cast of actors that ages before our eyes, Richard Linklater’s modern-day coming-of-age classic is a peerless artistic gamble, comparable only to Michael Apted’s Up series and Francois Truffaut’s Antoine Doinel films. Still, Boyhood’s astonishing compactness catches you off guard like no other movie. Adorned by Linklater’s signature effortless rhythms, the film bottles the fleeting spirit of time, maturing into a reflective meditation on life’s ordinary moments.—Tomris Laffly

92. The Discreet Charm of the Bourgeoisie (1972)

Movies have always been a gateway into radical art; Hollywood may have made them sleek and accessible, but experimentation was there from the start. Luis Buñuel counts among the top rank of dreamers to ever grace the field of filmmaking. Without him, there’s no David Lynch, no Wong Kar-wai—even Alfred Hitchcock was a fan. Of Buñuel’s many seismic features (don’t skip his slicin’-up-eyeballs short, “Un Chien Andalou”), begin with this radical satire of class warfare, which sums up everything he did well. It even won him an unlikely Oscar.—Joshua Rothkopf

93. Paths of Glory (1957)

An antiwar movie, a courtroom thriller, an upstairs-downstairs study of social status, a religious critique, an absurdist satire and, finally, a heartbreakingly futile plea for compassion in the face of destruction, Stanley Kubrick’s humanist masterpiece dissects all the delusional facets of the male psyche. Battlegrounds abound—psychological, emotional, physical—making the bleakly entrenched soldiers of 1916, and the officers who confuse folly for fame, still feel painfully relevant.—Stephen Garrett

94. & nbsp; Bí mật & Lies (1996) Secrets & Lies (1996)

Các diễn viên là huyết mạch của đạo diễn Mike Leigh, quá trình nổi tiếng, một phương pháp hội thảo nhiều, khám phá nhân vật, ngẫu hứng nhóm và văn bản hợp tác. Nó thường có thể là vài tháng trước khi máy ảnh cuộn. Các kết quả đã liên tục tinh tế trong những năm qua, được đưa vào các bộ phim âm nhạc thời kỳ (Topsy-Turvy) và các bộ phim truyền hình đương đại tàn bạo (trần trụi). Chúng tôi khuyên bạn nên bước đột phá quan trọng của Leigh, với sự tham gia của Brenda Blethyn và Timothy Spall, là nơi hoàn hảo để bắt đầu chuyến lặn sâu của bạn.

95. & nbsp; mùi thành công ngọt ngào (1957) Sweet Smell of Success (1957)

Noir khói, vui nhộn này từ đạo diễn Alexander Mackendrick (The Ladykillers) là một trong những bộ phim tuyệt vời về sức mạnh, ảnh hưởng và báo chí in ở độ cao trung tâm của nó. Nó có một câu chuyện hạt giống, say sưa, mở ra trong các gian hàng quán bar ở Manhattan, và nó có các màn trình diễn của bộ não từ Tony Curtis trong vai Sidney Falco, một tin đồn đang cho ăn dưới cùng và Burt Lancaster trong vai J.J. Hunsecker, một chuyên mục báo chí, tham nhũng. Cuộc đối thoại rất linh hoạt và ngon miệng; Các đạo đức trống rỗng như Quảng trường Thời đại vào lúc bình minh - CALHOUN

96. & nbsp; Nội các của Tiến sĩ Caligari (1920) The Cabinet of Dr. Caligari (1920)

Kiệt tác biểu hiện người Đức này xuất hiện vào năm 1920, một thời gian dài trước khi phát minh ra cảnh báo spoiler. Chúng tôi chỉ hy vọng rằng các thành viên khán giả theo bản năng biết rằng không cho đi rạp chiếu phim đầu tiên từng xoắn kết thúc và hủy hoại sự đau khổ của bộ phận kinh dị bị rạn nứt này cho bạn bè của họ. Đạo diễn Robert Wiene đã gợi lên một cái gì đó thực sự tối và kéo dài từ bóng tối của nó: Bạn có thể cảm nhận được ảnh hưởng của Tiến sĩ Caligari, trong tất cả mọi thứ, từ các bộ phim của Tim Burton, đến Đảo Shutter.

97. & NBSP; Nashville (1975) Nashville (1975)

Bản anh hùng ca đa lớp của âm nhạc, chính trị và mối quan hệ đồng quê này là thành tích đặc trưng của Robert Altman. Với cuộc đối thoại chồng chéo và camera lưu động, Nashville đã tạo ra một bức tranh toàn cảnh, bình dị của cuộc sống Mỹ, với nhiều diễn viên đáng nhớ nhất trong thập kỷ. Những năm 1970 là thời kỳ thú vị nhất của Điện ảnh Hoa Kỳ, và Columbia đã được giới thiệu bởi phạm vi đáng ngưỡng mộ và năng lượng tự do là biểu tượng của sự sáng tạo đó.

98. & nbsp; don lồng nhìn ngay (1973) Don’t Look Now (1973)

Nicolas Roeg đã ảnh hưởng và truyền cảm hứng cho một thế hệ các nhà làm phim, từ Daniel Boyle đến Steven Soderbergh & NBSP; - và ở đây, tại sao. Roeg Shrouds Daphne Du Maurier, truyện ngắn trong một cơn ớn lạnh, gieo rắc ý tưởng về các lực lượng siêu nhiên đang chơi trong một Venice mùa đông thông qua nghề làm phim tuyệt đối và sức mạnh của việc chỉnh sửa. Anh ta cũng tìm thấy một nhân loại sâu sắc trong nỗi kinh hoàng, với Julie Christie và Donald Sutherland, cha mẹ đau buồn kết nối lại và trôi dạt như Flotsam trên một thủy triều vô hình. Kiệt tác của anh ấy, don lồng nhìn bây giờ vẫn còn & nbsp; một tiếng kêu đau buồn nguyên thủy làm bạn rung động & nbs

99. & nbsp; Bonnie và Clyde (1967) Bonnie and Clyde (1967)

Bộ phim hành động thay đổi trò chơi của Arthur Penn, được thực hiện theo cùng một tinh thần của những người phương Tây xét lại của những năm 60 và 70 của thập niên 70, không vui, vui vẻ, về mặt đạo đức ở khắp mọi nơi, và không sợ máu và đạn. Bộ phim đưa chúng ta trở lại những năm 1930 trong thời gian tội phạm huyền thoại của những người yêu thích Bonnie Parker (Faye Dunaway) và Clyde Barrow (Warren Beatty), quan tâm đến nước Mỹ thời kỳ Trầm cảm và cướp nó. Tại sao bộ phim này cộng hưởng rất tốt vào cuối thập kỷ của nó? Với Chiến tranh Việt Nam, cuộc bạo loạn nội thành và Nixon đang gia tăng, tất cả các cược đã bị tắt. Thêm cặp Beatty và Dunaway ngất ngây, và bạn đã có một tác phẩm kinh điển trên tay: một cuộc cách mạng trong trang phục thời kỳ.

100. & nbsp; ra (2017) Get Out (2017)

Xem không gian này: Jordan Peele, những tác phẩm kinh điển mới được đúc kết chắc chắn sẽ tăng trong bảng xếp hạng. Lấy tín hiệu từ Grand Master George A. Romero và Đêm xác định đối nghịch của người chết sống, Peele truyền tải tội lỗi tự do trắng với một ẩn ý chủng tộc đáng sợ; Địa điểm Sund Sunken chính xác là loại ẩn dụ mà chỉ những bộ phim kinh dị mới có thể khai thác đầy đủ nhất. Trong thời gian chạy bộ sân khấu, kéo dài vào một mùa hè cũng chứng kiến ​​cuộc biểu tình của người phục vụ da trắng Charlottesville, cảm thấy giống như bộ phim duy nhất nói về sự phân chia sâu sắc.

Bạn muốn biết bộ phim yêu thích của diễn viên yêu thích của bạn?

Một email bạn thực sự yêu thích

Tham gia vào một mối quan hệ với bản tin của chúng tôi. Khám phá tốt nhất của thành phố, đầu tiên.

Bằng cách nhập địa chỉ email của bạn, bạn đồng ý với các điều khoản sử dụng và chính sách bảo mật của chúng tôi và đồng ý nhận email từ thời gian ra về tin tức, sự kiện, ưu đãi và khuyến mãi đối tác.

🙌 Tuyệt vời, bạn đã đăng ký!

Cảm ơn đã đăng kí! Hãy chú ý đến bản tin đầu tiên của bạn trong hộp thư đến của bạn sớm!

Bộ phim nào có tài liệu tham khảo văn hóa nhạc pop nhất?

10 bộ phim hàng đầu hiện tại là gì?

Bộ phim được mong đợi nhất năm 2022 là gì?

Những gì được coi là bộ phim hay nhất mọi thời đại?