Top 50 bài hát năm 1971 năm 2022

Thông báo cảnh báo: Mặt nạ

 Thành phố San Jose đặc biệt khuyến cáo tất cả mọi người (từ 2 tuổi trở lên) đeo khẩu trang tại tất cả các địa điểm SJPL, bao gồm cả Thư viện King.

1. Trang chủ
2. Sách & Thư Viện Điện Tử (eLibrary)
3. SÁCH & NHIỀU HƠN NỮA
4. Bộ sưu tập nhạc
5. Danh sách bài hát hoàn chỉnh

Paul loves guitars, guitarists, and music made with a guitar to an almost worrying extent. But he didn't start out playing the guitar and was a good pianist until the age of nine when 'Rock' entered his life. Since then, he has also become accomplished on a range of other instruments, but Guitar is still his number one love!

He has played in a lot of bands over the years, the majority of them rock bands and mainly playing guitar. He has a substantial home recording studio and enjoys recording his own and other people's music as often as he can.

His passion for the guitar always comes through in his writing, and he hopes to continue to preach the importance of guitar music for decades to come.

He lives in Chicago with his girlfriend Pam and lots and lots of guitars!

Kỷ lục hit của Marvin Gaye "What đang diễn ra" gói gọn sự hỗn loạn chính trị năm 1971 trong khi cũng truyền cảm hứng cho hy vọng thay đổi. Soul Train/Getty Hình ảnh ẩn chú thích Soul Train/Getty Images hide caption

Chuyển đổi chú thích

Hình ảnh Soul Train/Getty

Kỷ lục hit của Marvin Gaye "What đang diễn ra" gói gọn sự hỗn loạn chính trị năm 1971 trong khi cũng truyền cảm hứng cho hy vọng thay đổi.

Hình ảnh Soul Train/Getty

Kỷ lục hit của Marvin Gaye "What đang diễn ra" gói gọn sự hỗn loạn chính trị năm 1971 trong khi cũng truyền cảm hứng cho hy vọng thay đổi.

Hôm nay, NPR tổ chức lễ kỷ niệm 50 năm của chương trình gốc trực tuyến đầu tiên của chúng tôi. Trong năm thập kỷ, NPR và các trạm thành viên của chúng tôi đã chia sẻ trách nhiệm - và đặc quyền - để phục vụ người nghe cá nhân và thúc đẩy sự phát triển cá nhân của họ. Để tôn vinh thời gian của chúng tôi ở bên nhau, chúng tôi quay lại đồng hồ và phản ánh về những âm thanh hoàn hảo của năm Genesis của chúng tôi. Từ sự thể hiện vượt thời gian của tình trạng bất ổn xã hội trong "Chuyện gì đang diễn ra" của Marvin Gaye đến trải nghiệm xây dựng cộng đồng, "Take Me Home, Country Roads" của John Denver, "những thành tựu âm thanh rộng rãi của năm 1971 được giới thiệu dưới đây.

Đây là 50 bài hát yêu thích của NPR năm 1971, được lựa chọn bởi các trạm thành viên của chúng tôi.

Tất cả các lựa chọn trạm của chúng tôi đều có sẵn để phát trực tuyến trên danh sách phát âm nhạc của NPR50 Spotify và Apple. Và bạn có thể khám phá chương trình âm nhạc tuyệt vời xảy ra trên toàn quốc bằng cách nhấp vào các liên kết đến trang web của mỗi trạm thành viên.

YouTube

Joan Baez, "Đêm họ lái xe dixie cũ"

Tất cả các lựa chọn trạm của chúng tôi đều có sẵn để phát trực tuyến trên danh sách phát âm nhạc của NPR50 Spotify và Apple. Và bạn có thể khám phá chương trình âm nhạc tuyệt vời xảy ra trên toàn quốc bằng cách nhấp vào các liên kết đến trang web của mỗi trạm thành viên.

YouTube

Joan Baez, "Đêm họ lái xe dixie cũ"

Tất cả các lựa chọn trạm của chúng tôi đều có sẵn để phát trực tuyến trên danh sách phát âm nhạc của NPR50 Spotify và Apple. Và bạn có thể khám phá chương trình âm nhạc tuyệt vời xảy ra trên toàn quốc bằng cách nhấp vào các liên kết đến trang web của mỗi trạm thành viên.

YouTube

Joan Baez, "Đêm họ lái xe dixie cũ"

YouTube

David Bowie, "Thay đổi"

Một năm nữa và một sự thay đổi nhân cách sẽ đưa David Bowie đến trạng thái Rockstar toàn cầu, nhưng Hunky Dory năm 1971 là nơi anh ta đã phá vỡ nền tảng mới. "Thay đổi", ca khúc dẫn đầu của album và đĩa đơn đầu tiên không thể xảy ra, sẽ trở thành người nổi tiếng trong sự nghiệp bí ẩn của Bowie - một nơi mà anh ta tuyên bố danh tính của mình là một nghệ sĩ Shapeshifting và là người khiêu khích văn hóa nhạc pop. Những gì bắt đầu như một bài hát hộp đêm "một loại hình vứt bỏ", theo Bowie, là một tác phẩm sớm kết hợp cabaret, đánh bại thơ, dân gian và mod rock trong một cú đánh. Nó đã cho anh ta tai của tất cả những kẻ ác cảm, người ngoài cuộc và người ngoài hành tinh sẽ tham gia cùng anh ta trong năm thập kỷ sau đó. Trên thực tế, "Thay đổi '' sẽ là bài hát cuối cùng Bowie từng được biểu diễn trực tiếp, trong một bản song ca năm 2006 với Alicia Keys.

YouTube

David Bowie, "Cuộc sống trên sao Hỏa?"

Nếu sự đồng cảm với người xa lánh là chủ đề tuyệt vời của David Bowie, "Cuộc sống trên Sao Hỏa?" nên được coi là một trong những thành tựu lớn nhất của mình. Trong đó, "Cô gái với mái tóc mousy" đã đứng lên cho một đêm xem phim. Mặc dù vậy, cô ngồi vào chỗ, không được khám phá và cố gắng đánh mất bản thân trong điện ảnh. Nỗ lực thất bại, thảm hại. Là một bộ phim, cô đã xem 10 lần trước khi mở ra những lời nói sáo rỗng của Hollywood, cô gái - hoàn toàn một mình được bao quanh bởi con người trong một nhà hát đông đúc - suy ngẫm một câu hỏi đơn giản: "Có cuộc sống nào trên sao Hỏa không?" Hiệu ứng này là tàn phá, được tạo ra nhiều hơn bởi cây đàn piano thanh lịch của Rick Wakeman và sự sắp xếp chuỗi sưng được tạo ra bởi người phụ nữ quan trọng nhất của Bowie, tay guitar vĩ đại, vĩ đại Mick Ronson. Bài hát cao trào, và người nghe kiệt sức về mặt cảm xúc, nhưng nhắc nhở rằng họ chắc chắn không đơn độc nhất. Đó là món quà tuyệt vời của Bowie - sự đồng cảm vĩnh cửu trong vòng chưa đầy bốn phút. CấmChris Lester, 90,9 cây cầu

YouTube

Có thể, "nấm"

Được ghi lại khi sống trong một lâu đài gần Cologne, những người tiên phong của Đức Krautrock có thể dành hàng trăm giờ để hợp nhất những ngẫu hứng nhạc rock và jazz để tạo ra album thứ hai thử nghiệm của họ, Tago Mago. "Nấm", ca khúc phổ biến nhất của album, thật quyến rũ. Sự lặp lại nhịp nhàng từ tay trống Jaki Liebezeit cung cấp đủ không gian cho các bạn cùng nhóm khác để thêm các lớp âm thanh. Một cách quyến rũ nhất, giọng hát im lặng của Damo Suzuki len lỏi qua bài hát khi anh hát từ tiếng thì thầm đến tiếng hét. Tay bass được đào tạo bài bản Holger Czukay và bàn phím Irmin Schmidt đã không để sự giáo dục của họ giới hạn tính tự phát mà họ mang đến cho bản ghi âm; Thay vào đó, họ đã đưa ra bản nhạc với tình cảm và một loại vô chính phủ chống lại âm nhạc hiện đại. Ban đầu được so sánh với Pink Floyd và Velvet Underground, cách tiếp cận tiên phong của họ đã vượt ra ngoài các rào cản âm nhạc của các đồng nghiệp của họ. Mặc dù có thể không bao giờ có thể vượt qua dòng chính vào thời điểm đó, ảnh hưởng của họ đối với âm nhạc hiện đại vẫn tồn tại. Đài phát thanh công cộng Colorado, Đài phát thanh công cộng Colorado

YouTube

Thợ mộc, "Siêu sao"

Lấy cảm hứng từ Rita Coolidge và được viết bởi Leon Russell và Bonnie Bramlett, "Superstar"-ban đầu có tựa đề "Groupie (Superstar)"-kể về câu chuyện quá phổ biến về các ngôi sao nhạc rock nam lợi dụng các cô gái trẻ ấn tượng. Bài hát đã trải qua một số hóa thân trước khi hạ cánh trên bài hoàn hảo. Delaney & Bonnie và những người bạn, Bette Midler, và chính Coolidge đều chụp những bức ảnh của họ, nhưng nó đã được chuyển đổi bởi sự sắp xếp của Richard Carpenter. Nhạc cụ Lush của ông về Harp, Piano, Oboe và Tiếng Pháp của Pháp làm tăng bản chất kịch tính của bài hát. Sau đó, có màn trình diễn giọng hát hoàn toàn không thể phủ nhận của Karen Carpenter, được cho là đã được thực hiện trong một lần. Cô nắm bắt hoàn hảo trạng thái cô đơn và buồn bã của một người chưa hoàn toàn đi đến thỏa thuận với việc bị người mà họ nghĩ rằng họ yêu. Lacryan Lacroix, Kosu

YouTube

Leonard Cohen, "Raincoat màu xanh nổi tiếng"

"Cơn mưa màu xanh nổi tiếng" là một câu chuyện về sự tha thứ. Bài hát là một bức thư được viết cho một người bạn cũ mặc áo mưa màu xanh, đã cố gắng nghi thức khoa học "rõ ràng" và có khả năng ngoại tình với Jane, bạn gái của Leonard Cohen. Mặc dù sự kiện đã xé toạc chúng ra, Cohen viết để cảm ơn anh ta vì những rắc rối mà anh ta đã lấy từ mắt cô - một rắc rối, anh ta thừa nhận, chính anh ta không bao giờ cố gắng giảm bớt. Bày tỏ sự hiểu biết đáng buồn xảy ra thường xuyên trong sáng tác của Cohen; Đó có lẽ là món quà tuyệt vời nhất của anh ấy với tư cách là một nhà văn. Nhưng trong lần nghe đầu tiên, bạn không nghe câu chuyện, chỉ có giọng nói của Cohen. Giống như trái tim anh, nó nặng nề. Ngoại trừ khi anh hát, "Jane đến." Anh ấy hát riêng từng từ. Nâng giọng nói bằng từng lời. Đó là chìa khóa cho bài hát. Ba từ đó là âm thanh của sự tha thứ. Chúng là vết nứt cho phép ánh sáng vào.

YouTube

Alice Coltrane, "Hành trình ở Satchidananda"

Đến năm 1971, The Beatles đã trao đổi trong guitar của họ cho Sitars, Richard Hittman đang truyền giáo yoga trên truyền hình và tâm linh phương Đông bắt đầu thấm vào văn hóa nhạc pop của Mỹ ngoài bộ hippie thời đại mới. Vào thời điểm đó, Alice Coltrane đang đau buồn về cái chết của chồng, John. Để tìm kiếm ý nghĩa lớn hơn, cô trở thành môn đệ của giáo viên tôn giáo theo đạo Hindu Swami Satchidananda. Những chuyến đi vào bên trong của cô có thể sờ thấy trong album thiền định năm 1971 của cô, Journey in Satchidananda. Trên ca khúc chủ đề, một phần nhịp điệu thôi miên lắc lư đều đặn khi Coltrane mở ra những giai điệu tinh tế trên đàn hạc của cô. Với Pharoah Sanders trên saxophone, sự hợp tác thể hiện sự ngẫu hứng với nhạc jazz như sự hiệp thông thiêng liêng. Không có gì ngạc nhiên khi nó tiếp tục cộng hưởng với những người tìm kiếm tâm linh, 50 năm sau. —Nastia voynovskaya, kqed

YouTube

Karen Dalton, "Something On Your Mind"

In the '60s, Karen Dalton was a fixture of the Greenwich Village folk scene, but never was a commercial star. Stage fright, drug abuse and a disdain for recording allegedly hampered any chances for that. The blues singer from Oklahoma developed a cult-like following years after her death in 1993, thanks to re-releases, tributes and praise from Bob Dylan in his memoir Chronicles: Volume One: "Karen had a voice like Billie Holiday's and played the guitar like Jimmy Reed." "Something on Your Mind" showcases the powerful, raw emotion Dalton was known for projecting. Through her crackling country drawl, she confronts you with the ache in her voice and throws you into the well of her melancholy. —Ryan LaCroix, KOSU

YouTube

John Denver, "Take Me Home, Country Roads"

"Take Me Home, Country Roads" was first performed on Dec. 30, 1970, at the legendary Cellar Door in Washington D.C. At the time, Andy Ridenour, Mountain Stage's co-founder and producer, was a college student, present for the extended applause that spread throughout the audience after the song's debut, performed by songwriters Bill Danoff, Taffy Nivert and John Denver. In 1971, John Denver recorded and released the song; soon after, the whole world was singing along. In the 50 years since its release, "Take Me Home, Country Roads" has become a universal anthem; it's a song that instantly evokes a sense of belonging and community. It has a special way of bringing people together no matter where you are in the world or whether it is performed in your native tongue. "Country Roads" transports us to a place where we all belong. —Vasilia Scouras, Mountain Stage

YouTube

Lee Dorsey, "Freedom For The Stallion"

Throughout the 1960s, Allen Toussaint was a songwriting machine, producing and writing iconic music for legendary New Orleans R&B artists such as Betty Harris, Irma Thomas, Ernie K-Doe and Lee Dorsey. He stayed busy throughout most of the '70s too, and in 1971, Dorsey released "Freedom for the Stallion," a Toussaint-penned and -produced anthem that was a significant departure from the funkier sounds he had been working with at the time. The song's layers kick off with a slow, marching drum beat, then add a simple piano riff, subtle horns, background vocals and Dorsey's shaky and soulful voice. Though it wasn't a major hit for Dorsey, it would go on to greater commercial success when it was covered by Hues Corporation on their 1973 debut album of the same name. Still, Dorsey's original version will always shine as the definitive showcase for Toussaint's impeccable songwriting. —Brian Burns, WUNC

YouTube

Nick Drake, "Northern Sky"

When Nick Drake died in 1974 at age 26 from an antidepressant overdose, he left behind a near perfect body of work. He released three albums between 1969 and 1972, records that were unappreciated or basically ignored at the time. His second album, Bryter Layter, dropped in March 1971 with no single or publicity. The standout track, "Northern Sky," is a departure in its ornamentation courtesy of the Velvet Underground's John Cale, but at its core is a classic Drake — subtle, sublime and nuanced. In 2004, NME described "Northern Sky" as the ""greatest English love song of modern times." Drake was a master at creating an atmosphere by capturing a mood, a beautiful mystical melancholy. When "Northern Sky'' was initially released, no one noticed, but Drake's music has endured, reaching a mythical status too beautiful for the world. —Kevin Cole, KEXP

YouTube

The Dramatics, "Whatcha See Is Whatcha Get"

In June of 1971, President Nixon declared a war on drugs. Detroit writer-producer Tony Hester made his own indelible declaration — a 3-minute, 34-second recording by The Dramatics that told it like it was. From the very first moments of "Whatcha See Is Whatcha Get," a rumbling menacing bassline, a wall of brass and sparkling Latin percussion set a stone cold, uncompromising tenor. Warning that "some people are made of plastic", the song went on to reassure listeners that Ron Banks, William "Wee Gee" Howard and the rest were, conversely, "for real" — a point further punctuated by fuzz guitar and churning strings. A breakthrough record for all parties concerned, "Whatcha See Is Whatcha Get" also introduced an earthy post-Motown Detroit soul sound to the world that was not the Sound of Young America. More accurately, it was the sound of the streets. —Ayana Contreras, Vocalo

YouTube

Aretha Franklin, "Rock Steady"

"Just call the song exactly what it is," Aretha Franklin sings, and the line sums up "Rock Steady" precisely. The song begins with drummer Bernard Purdie laying down some amazing licks with Donny Hathaway immediately adding a strong gospel-tinged organ to pull you right in. Once Chuck Rainey comes in on bass, you're hooked. Even though Franklin wrote the song, the collaborative energy is infectious. The Sweethearts of Soul, Aretha's background singers fill things out when they emphatically state: "What it is." Grammy-winning singer-songwriter Dr. John even makes an appearance on percussion. —Benji McPhail, The Colorado Sound

YouTube

Funkadelic, "Maggot Brain"

Thật là mỉa mai khi Nghị viện-Funkadelic, một tập thể nhiều đầu dành cho những đức tính của Funk, sẽ tìm thấy khoảnh khắc âm nhạc vĩ đại nhất của nó trong một bản nhạc nhạc rock dài 10 phút, đóng vai trò là một người thể hiện cho guitarist Eddie Hazel của thiên tài sáu dây. Để chắc chắn, "Maggot Brain" có những đức tính của nó. Transcendence là nguồn cảm hứng của bài hát và nó với sự hỗn loạn cảm xúc khi người nghe nghe thấy một hành trình ảo giác, ảo giác từ đáy đá đến thuốc lắc và trở lại khi Hazel chạy qua cổ guitar. Những người rùng mình guitar của anh ta tinh tế chỉ để Rocket vào những chiếc cuirewaul. Thông qua một loạt các ghi chú, quy mô nhanh chóng chạy và phản hồi phun trào, Hazel kéo thế giới-tình yêu, ghét, thiện, ác, công lý, áp bức-thành tầm nhìn khúc xạ, uốn cong tâm trí. Truyền thuyết nổi tiếng nói rằng chủ mưu và lãnh đạo ban nhạc George Clinton nói với Hazel chơi như mẹ anh đã chết. Được thúc đẩy bởi cảm xúc, "Maggot Brain" đã vượt qua thời đại như một mẫu mà một nhạc cụ làm cho giọng nói của anh ta cảm thấy cũng như được nghe. Đài phát thanh công cộng Wisconsin, Wisconsin

YouTube

Marvin Gaye, "Mercy Mercy Me (Sinh thái học)" "

"Mercy Mercy Me (Sinh thái học)" là một lời than thở được ghi lại trên 16 bài hát. Trong số tất cả các bản nhạc đó (trong số đó có bộ gõ, Celeste và saxophone), không có bản nhạc nào quyến rũ hơn những người có Marvin Gaye. Ở đây, anh ta là một người hát nhạc jazz thoải mái, chơi piano và khốn kiếp rằng "mọi thứ không phải là những gì họ từng là." Gaye mô tả một thực tế hậu tận thế trong đó "Poison là cơn gió thổi", sau đó sau khổ thơ đầu tiên, những kẻ hòa âm hài hòa của anh ta đã biến thành những lời hô vang khó khăn, nghiêm túc của "Giúp đỡ họ, cha" và "Lòng thương xót, Cha". Đáng kinh ngạc, giọng anh biến mất như khói ở giữa bài hát, được thay thế bằng một bản solo sax bằng Bill Moore hoang dã và giọng hát của The Andantes. Trên thực tế, giọng nói của Marvin gần như hoàn toàn vắng mặt trong nửa sau của bài hát, có lẽ lặp lại lời than vãn của bài hát vì những kỳ quan thiên nhiên mà thời gian đã đi qua. Phương thức

YouTube

Marvin Gaye, "Chuyện gì đang xảy ra"

Với đĩa hát rộng rãi của Marvin Gaye, không dễ để giải quyết chỉ một "bài hát đặc trưng", nhưng ca khúc chủ đề cho Magnum Opus của anh ấy đang diễn ra là một trong những ứng cử viên. Được viết trong kỷ nguyên của Chiến tranh Việt Nam, mô tả mạnh mẽ về cuộc sống đen sau phong trào dân quyền vẫn còn cực kỳ liên quan đến ngày hôm nay, làm cho "Điều gì đang diễn ra" và phần còn lại của album tên tuổi của nó trở thành một chuẩn mực vượt thời gian cho các bộ sưu tập bài hát có ý thức xã hội. Và với sự sắp xếp đầy hy vọng của nó-giới thiệu một mô típ 10 nốt được nghe trong bản thu âm-"Điều gì đang diễn ra" đánh dấu sự tốt nghiệp của Gaye từ việc thu âm các bài hát được viết bởi Holland-Doozier-Holland, Ashford & Simpson và những người khác trong sự nghiệp đầu tiên của anh ấy vào Auteur chu đáo, tất cả chúng ta đã yêu và nhớ. —Jack Anderson, Kut

YouTube

Serge Gainsbourg, "Melody"

Đến năm 1971, Serge Gainsbourg đã có tiếng là một người khiêu khích. Anh ấy đã hẹn hò với Jane Birkin và vào năm 1969, họ đã phát hành, "Je T'aime Moi non Plus", một bài hát bị cấm trên khắp châu Âu vì sử dụng cực khoái nữ. Đương nhiên, lệnh cấm có nghĩa là mọi người đều nghe thấy nó. Đưa ra khỏi thành công đó, anh đã phát hành Histoire de Melody Nelson, một album khái niệm điện ảnh đã được coi là tác phẩm hay nhất của anh. Nó bắt đầu với "Melody", một Saunter mát mẻ, tám phút. Chìa khóa là giao hàng của anh ấy. Gainsbourg, một người quyến rũ nổi tiếng, dựa gần với tiếng thì thầm vào tai bạn. Bạn gần như có thể cảm nhận được sự ấm áp của hơi thở của anh ấy trên cổ bạn. Bạn có thể ngửi thấy mùi thuốc lá của anh ấy. Bài hát nhỏ giọt với sự thân mật. Đó là ASMR trước khi thuật ngữ được phát minh. Mặc dù bài hát bằng tiếng Pháp, nhưng không có bản dịch nào cần thiết cho ngôn ngữ tình yêu của Gainsbourg. —Justin Barney, Radio Milwaukee

YouTube

Al Green, "Hãy ở bên nhau"

Một lời khẳng định mượt mà và một lời thề tận tụy kiên định, "Let's Stay cùng nhau" của Al Green cảm thấy như một tác phẩm kinh điển ngay lập tức. Nhưng khi nhà sản xuất Willie Mitchell và tay trống Al Jackson, Jr. đã trình bày màu xanh lá cây với sự pha trộn thô bạo của bản ballad linh hồn, anh coi nó như một suy nghĩ lại - từ bỏ lời bài hát trong vòng chưa đầy 15 phút. Sau đó, anh ta kéo gót chân của mình ghi lại giai điệu, một phần vì sự thân mật kỳ diệu của nó cảm thấy rất thiếu và phơi bày cho một ca sĩ R & B vào thời điểm đó. "Tôi đang ở đây cố gắng thổi bay studio từ đầu", Green nói với NPR vào năm 2000, "Willie tiếp tục nói, 'Không, chỉ nói điều đó.'" Chủ nghĩa tự nhiên trong việc giao hàng của mình, với hàm ý của nó là là chìa khóa thành công của bài hát. Càng vội vàng phát hành, "Hãy ở lại với nhau" đã cho Al Green hit số 1 duy nhất của anh ấy và đóng vai trò là ca khúc chủ đề cho album top 10 vào năm sau. —Nate Chinen, WBGO

YouTube

Al Green, "mệt mỏi vì ở một mình"

Khi nói đến những người có thể hát từ điển, Al Green đứng đầu danh sách. Những bài hát của anh cầu xin được hát cùng và chơi to. Green đã có một chuỗi các đĩa đơn đình đám vào đầu những năm 70 và "Mệt mỏi vì ở một mình" đã kết thúc bài hát nổi tiếng nhất của Billboard năm 1971. Giọng nói của Green rung động với niềm tin ở đây. Khi anh ấy hát "Tôi đã nghĩ về bạn", bạn tin điều đó. —Chris Wienk, WEXT Radio

YouTube

Herbie Hancock & Mwandishi, "Ostinato - Suite cho Angela"

Jazz đã biến đổi từ bên trong, theo cách vừa quyến rũ và lạ, khi Herbie Hancock thu âm album Mwandishi của mình trên cusp năm 1971 (trong một phiên duy nhất vào đêm giao thừa). Miles Davis 'Bitches Brew gần đây đã trồng một lá cờ cho nhạc jazz-rock, và Hancock là một trong những làn sóng các cộng sự của Milesian đang thúc đẩy khái niệm về phía trước. Ông đã làm như vậy với các đồng nghiệp tự do như bassist Buster Williams, người thổi kèn Eddie Henderson, nghệ sĩ tam tấu Julian Priester và tay trống Billy Hart. Trong ca khúc mở đầu 13 phút của album-dành riêng cho nhà hoạt động điện đen Angela Davis-họ hợp nhất một Ostinato (một từ khác cho một vamp) trong 15/8 mét vui nhộn. Bennie Maupin, người có clarinet bass đã có màu cay nồng trên Bitches Brew, khéo léo thể hiện lại vai trò đó ở đây. Và đối với Hancock, piano Fender Rhodes của anh quay vòng trong hỗn hợp như thể gợi ý một giấc mơ sống động. —Nate Chinen, WBGO

YouTube

Isaac Hayes, "Chủ đề từ trục"

Nhạc nền trục của Isaac Hayes nâng cao tác phẩm kinh điển của đạo diễn Gordon Gordon Park và sinh ra một bức tranh khổng lồ của một duy nhất, "Chủ đề từ trục". Như được khám phá trong loạt bài Recue năm 1971 của WFUV, Hayes đã ghi lại bản nhạc cho Stax Records, mở rộng ra ngoài giới hạn của tín hiệu phim. Được viết tắt từ album, "Chủ đề từ trục" đã giới thiệu một cách khéo léo giới thiệu thám tử tư nhân của Richard Roundtree trong các khoản tín dụng mở đầu của bộ phim, nhưng trên đài phát thanh, bài hát biến thành một siêu tân tinh vui nhộn, rực rỡ và khác biệt. Được thúc đẩy bởi Hi-Hat của Willie Hall, guitarist Charles "Skip" Parts 'Wah Ped Wizardry và Hayes's Creal Purr, "Chủ đề từ trục" là một bộ ba có tầm nhìn về sự dí dỏm, rãnh và năng lực kỹ thuật. Năm 1972, Hayes trở thành nhà soạn nhạc da đen đầu tiên (và chỉ là nghệ sĩ da đen thứ ba trong một hạng mục lớn) để giành giải Oscar, làm cho lịch sử với Hattie McDaniel và Sidney Poitier. Muffkara Manning, WFUV

YouTube

Carole King, "Đã quá muộn"

Kể từ tháng 2 năm 1971, khi album được phát hành, Carole King Tapestry đã đặt ra một trong những quán bar sáng tạo cao nhất trong thể loại ca sĩ kiêm nhạc sĩ thú tội. King đã giành được nhiều giải Grammy cho album, với "Đã quá muộn" giành được giải thưởng kỷ lục của năm. Viết về album cho NPR Turn the Bales, Jill Sternheimer cho biết nó "đứng trước thử thách của thời gian không chỉ là một nền tảng trong thể loại ca sĩ-nhạc sĩ mà còn là nhạc nền của nữ quyền ngoại ô đầu những năm 1970." "Đã quá muộn" là một bài hát chia tay thực tế, không thực tế về một mối quan hệ không được thực hiện, với lời bài hát của cộng tác viên King Toni Stern. "Đã quá muộn, em yêu, bây giờ đã quá muộn," Sings King ", mặc dù chúng tôi thực sự đã cố gắng làm cho nó." Giáo sư Warren, Cafe thế giới

YouTube

Freddie King, "đi xuống"

Năm 1971 là năm tái tạo của Freddie King. Một thập kỷ trước, anh ta đã cắt giảm nửa tá hit R & B đã mang lại cho anh ta sự ngưỡng mộ của vô số nghệ sĩ guitar đang phát triển như Eric Clapton và Mick Taylor. Nhiều năm sau, những nhạc sĩ trẻ đó đã ở trong các ban nhạc đưa Blues Rock lên một tầm cao thương mại chưa từng thấy trước đây. Vì vậy, khi King ký hợp đồng với hồ sơ nơi trú ẩn của Leon Russell, anh ta dựa vào một phong cách của những bản nhạc blues và đá nặng. Sự phồng rộp của anh ấy với bài hát "Đi xuống" của Don Nix đã biến bản nhạc thành một bài hát nhạc rock blues mọi thời đại, nghe có vẻ thú vị khi chơi như nghe. Các khẩu súng thần công Texas xé toạc và gầm lên đường đua, với sự hung dữ khó tính khó sao chép. Lacryan Lacroix, Kosu

YouTube

Led Zeppelin, "Khi con đê phá vỡ"

Ngay cả trước khi đạt được tình trạng thần nhạc rock, Led Zeppelin luôn hành động phần này. Trong khi tham vọng đó nghiêng về phía Gargantuan, "khi con đê phá vỡ" vượt qua tất cả những gì đã đến trước đó, một sự gửi đi đầy cảm hứng cho album huyền thoại nhất của Hard Rock. Trước khi nhìn thấy một Sonic Titan, một sự lắng nghe cẩn thận cho thấy giai điệu Memphis Minnie mà Jimmy Page đã khái niệm hóa như một lực lượng thính giác của tự nhiên. Robert Plant Howling Harp và Carnival Barker hét lên tiếng vang trên cơn lốc droning, trong khi trống bass có kích thước khủng long của John Bonham mang lại quy mô và chuyển động không thể ngăn cản. Tăng cường với mánh khóe sản xuất, đây là một bức tranh khổng lồ, giao hưởng, có khả năng phá hoại màng nhĩ và kỳ vọng giống nhau. Nhấp vào Play và Valhalla trở nên sống động một lần nữa, vẫn sấm sét từ thiên đàng. Đài phát thanh công cộng Wisconsin, Wisconsin

YouTube

Curtis Mayfield, "xuống"

Khi mở đầu từ cội nguồn năm 1971, Mayfield không băm chữ hay làm phiền tin nhắn. Nhịp điệu ... chúng ta sẽ nói, hú lên sự thích thú mở ra giai điệu và phục vụ như một dòng chảy dưới dòng trong suốt để lại rất ít bí ẩn về những gì người này thực sự về. "Chúng ta đều là những đứa trẻ của thế giới", Mayfield hát về những chiếc sừng được sắp xếp bởi Johnny Pate và Riley Hampton. "Một người đàn ông đói đang tìm kiếm một cô gái đói." Âm thanh như Mayfield đang tìm cách chia sẻ một nồi fondue lớn với một người bạn đồng hành với sự thèm ăn tương tự. Với một dòng bass mang tính biểu tượng từ Joseph "Lucky" Scott và Santana giống như guitar điện từ Craig McMullen, đây là giai điệu bạn cần để làm cho hố cuộc trò chuyện của phòng khách của bạn trở lại. Silvermatt bạc, wrti

YouTube

Joni Mitchell, "Một trường hợp của bạn"

Âm nhạc hiện đại có phần của các bài hát về tình yêu sacarine ốm yếu và những cuộc chia tay cay đắng, đau đớn, nhưng rất ít nhạc sĩ làm cho sự phức tạp của sự lãng mạn và đau buồn như Joni Mitchell. Ngay lập tức, Mitchell chọc những lỗ hổng trong thi pháp vui vẻ của người yêu. Giống như bất cứ ai bị cuốn vào một cuộc chia tay, cô ấy đã nói với hy vọng cô ấy đã từng có cho tình yêu của họ. Nhưng cuối cùng, cô ấy nghiền nát anh ta hết lần này đến lần khác, với một điệp khúc đánh giá ra anh ta yếu như thế nào: "Tôi có thể uống một trường hợp của bạn và vẫn đứng trên đôi chân của tôi." Đây là một bài hát về một người phụ nữ nhận ra giá trị của mình, vượt quá sự mê đắm của ánh mắt đầy sao. —Kim Ruel, hẻm dân gian

YouTube

Joni Mitchell, "California"

Được coi là một trong những album hay nhất mọi thời đại (thậm chí đứng đầu danh sách của chính NPR), Blue của Joni Mitchell là một bức chân dung của lỗ hổng đã củng cố vị thế của cô như một biểu tượng âm nhạc. Có một cái nhìn thân mật về các mối quan hệ của Mitchell, album được hoàn thiện với khao khát những người yêu thích đã qua ("Ông già của tôi"), những chuyến đi Wayward ("Carey") và thậm chí cả con gái của cô ấy ("Little Green"). Nhưng đó là đĩa đơn thứ hai của Record, "California", gói gọn những gì Mitchell tìm kiếm trên hết: bản sắc vốn có theo nghĩa của sự thuộc về. Trong bối cảnh của một Dulcimer của Appalachian, Mitchell đã làm thơ thơ khi trở lại với các điểm tham quan và âm thanh của quốc gia Golden State và Mỹ ("Tôi sẽ thấy những người tôi đào"). Phrasing của đường đua toát lên sự xuất hiện, nhưng đánh vào đỉnh cao của nó khi Mitchell suy ngẫm về ngôi nhà yêu quý của cô ấy sẽ nhận được cô ấy như thế nào, cầu xin câu hỏi, "Bạn sẽ đưa tôi như tôi?" —Desiré Moses, wnrn

YouTube

Shuggie Otis, "Thư dâu 23"

Tôi biết tôi được cho là tất cả vào năm 1971, nhưng lần đầu tiên tôi biết về Otis Shuggie này đã xảy ra theo cách mà nhiều người khác đã làm - vào năm 1977, nhờ phiên bản biểu đồ top 10 của anh em Johnson. Một trong những anh em đang hẹn hò với anh em họ của Otis và yêu thích bài hát từ album năm 1971 của anh ấy, Freedom Flying. Bìa của họ đưa bài hát lên bản đồ của tôi và tôi đã đi tìm bản gốc. Nhẹ hơn trong sản xuất, đó là một câu chuyện đáng yêu có những bức thư tình yêu được viết qua lại. Tôi đã luôn hy vọng một "Thư dâu tây 24" và "25" để theo dõi. —Chris Wienk, WEXT Radio

YouTube

Dolly Parton, "Áo khoác nhiều màu"

"Nó không chỉ là một bài hát. Đó là một triết lý, một thái độ và một cảm giác." Đó là những lời của Dolly Parton khi được yêu cầu mô tả sự quyến rũ không thể xóa nhòa và sự hấp dẫn của "lớp phủ của nhiều màu sắc". Được phát hành vào tháng 10 năm 71 trong một album có cùng tên, Single Bote to Số 4 trên bảng xếp hạng quốc gia, sau bản hit số 1 đầu tiên của cô "Joshua" vào đầu năm đó. Bây giờ được coi là một trong những bài hát đặc trưng của cô, câu chuyện có thật đích thực đã truyền cảm hứng cho lời bài hát là một minh chứng cho người phụ nữ có - 50 năm sau - được coi là phần lớn được coi là một kho báu quốc gia. Một bài hát về việc yêu bạn là ai và bạn có gì, "áo nhiều màu" là một bài hát trao quyền lâu dài cho bất cứ ai đã bị chế giễu vì có ít hơn. Trong số hàng trăm bài hát để chảy từ bút của Parton, đây có thể là bài hát hay nhất. Teel Teel, Đài phát thanh công cộng Jefferson

YouTube

John Prine, "Xin chào trong đó"

Câu chuyện kể về sự hùng vĩ và chi tiết thân mật của các nhân vật trong các bài hát của John Prine là nền tảng của thiên tài sáng tác của anh ấy kể từ khi anh ấy phát hành album đầu tay có tựa đề năm 1971 của mình. "Xin chào trong đó" là một trong nhiều kim cương của nó. Một nửa sự sáng chói của nó đến từ nhịp độ âm nhạc chiêm nghiệm, u sầu của bài hát. Nửa còn lại là câu chuyện về việc già đi và thời gian trôi qua. Prine, một người vận chuyển thư ở Chicago trước khi anh chuyển sang biểu diễn, cho biết anh đã viết bài hát trên tuyến đường thư của mình. Anh ấy 22 tuổi, và thật đáng kinh ngạc khi rõ ràng anh ấy có thể đồng cảm với việc già đi, bị lãng quên khi năm tháng tiến triển và có rất nhiều lòng trắc ẩn đối với người già ở độ tuổi trẻ như vậy. Giáo sư Warren, Cafe thế giới

YouTube

John Prine, "Illegal Smile"

Fifty years! It is time to open the capsule and examine just what was going on five decades ago. So many things we worried about then are no big deal now; take marijuana, for example. When John Prine released "Illegal Smile," it was a brave act because the admission was actionable. Prine's homage to our societal reefer madness is a clever anthem that united us with a twinkle of acknowledgement in our very red eyes. The song pushed the then-Chicago mailman into another realm. Come to think about it, so did the song's subject substance. My, how times have changed ... or maybe not. —Jessie Scott, WMOT Roots Radio

YouTube

Bonnie Raitt, "Thank You"

Still in college in 1971, Bonnie Raitt was steeped in the blues and got noticed in the East Coast club circuit for her exemplary slide guitar playing. Only 21, Raitt signed with Warner Bros. and her debut album, Bonnie Raitt, shows off her blues chops and her slide playing on several songs. However, it's her own composition "Thank You" that hints at the broader repertoire that would follow in her later career. It's a simple, tender love song with Raitt at the piano singing in her unaffected, soulful style. I got to know Raitt from her covers of others' songs, but this is a lovely example of her own songwriting. It's a song I got reacquainted with through WFUV's Album ReCue 1971 series of significant albums from 50 years ago. —Corny O'Connell, WFUV

YouTube

The Rolling Stones, "Can't You Hear Me Knocking"

Keith Richards has written some of the most infectious opening guitar riffs in rock and roll's history and "Can't You Hear Me Knocking" ranks near the top of the roster of Richard's contagious hooks. The song is already a raw, gritty caldron of energy long before Mick Jagger starts singing, but Jagger's lyrics give the song the right dose of drugs and sexuality. Mick Taylor, not to be outdone by Richards, shines on a long guitar solo near the song's end. The Stones rarely include jam sessions on their songs, but fate was smiling on them. As the song winds down, Taylor continues playing. The rest of the band picked up their instruments and joined in. Saxophonist Bobby Keys decided to really let loose on his solo. The Stones thought the recorders had been turned off. Lucky for us, they weren't. —Benji McPhail, The Colorado Sound

YouTube

The Rolling Stones, "Wild Horses"

The origins of "Wild Horses" began in 1969 when Keith Richards had to leave his first-born son, Marlon, to resume touring, a plight known all too well by road-worn musicians with children. However, out of that sadness and frustration, a song was born when Richards penned the line "wild horses couldn't drag me away." Subsequently, it's become one of the most recognizable lines in the rock music canon. After a rewrite from Mick Jagger, "Wild Horses" adopted new life as Jagger drew inspiration from a breakup with then-girlfriend Marianne Faithfull. The band later recorded the song at the legendary Muscle Shoals Sound Studio studios in Muscle Shoals, Ala., on an iconic, yet incredibly simple, UA 610 tube console. That warm and slightly overdriven sound can most notably be heard through Jagger's vocals. Fast forward to its 1971 release on Sticky Fingers, and the rest is rock and roll history. —John Ingram, Mountain Stage

YouTube

Gil Scott-Heron, "The Revolution Will Not Be Televised"

Fifty years after Brother Gil's immortal sermon, it's hard to imagine a thing that isn't televised, let alone revolt. And thank God, because those people in the streets have moved the needle. Last month, Scientific American cited a study that said "municipalities where BLM protests have been held experienced as much as a 20% decrease in killings by police, resulting in an estimated 300 fewer deaths nationwide in 2014–2019." The smartphone camera has brought to light abuses and terror long committed in the dark, and there's no denying that the movement for Black lives has brought visibility, pressure and accountability. But there are parts of revolution that aren't broadcast via camera or social media. They happen internally, privately, sometimes quietly. In the exalting of joy, the finding of community, the diagnosing and releasing of white supremacy within. It may be those revolutions that stay with us the longest. —Larry Mizell Jr., KEXP

YouTube

Sly & The Family Stone, "Family Affair"

The recording process for Sly & The Family Stone's "Family Affair" was anything but a family affair. Working alone in a Bay Area studio, Stone was erratic and paranoid. Without his regular band, he re-recorded tracks and overdubbed vocals so many times that the reel-to-reel tape degraded into a murky deadness. It fits the song. A rudimentary drum machine lopes out a beat beneath Billy Preston's electric piano, and Sly's vocals pour out of the mix like hot asphalt, singing a guttural, stark portrait of the American family. In the aftermath of the 1960s, there was nothing so bleak and yet brimming with poetic truth at the top of the charts. —Gabe Meline, KQED

YouTube

Rod Stewart, "Maggie May"

"Wake up, Maggie, I think I got something to say to you." The drums snap, and with that opening line, the story begins. Rod Stewart tells us the story of the first woman to seduce him. It's the age old tale of what's not quite love. "Maggie May," and the album it comes from — Stewart's third studio album, Every Picture Tells a Story — made him a superstar. This was the first big hit of the rock era to feature a mandolin, but that's only part of the hypnotic attraction of the song. As Rod's plaintive singing pulls us through the story, we feel his pain. The song inhabits our memories and stirs our emotions. —Chris Wienk, WEXT Radio

YouTube

T. Rex, "Jeepster"

The foot-stomping U.K. smash "Jeepster" was the second charting hit off Electric Warrior from T. Rex. By the time of its release, the band's look and sound was instantly recognizable overseas. This 1971 single was pure unadulterated fun with its upbeat electric guitar playing and infectious lyrics. Considered glam, "Jeepster" draws heavily from the blues. Marc Bolan admitted the music was taken from "You'll Be Mine" by Howlin' Wolf and that the song's lyrics, much like the blues, contain sexual references. Using the car metaphor to salaciously speak to a lover, the song's success is a testament to the outrageous Bolan and his spirited band. Accompanied by producer Tony Visconti, who also made albums with friend and rival David Bowie, they were able to capture an exciting moment in the pantheon of glam rock. —Alisha Sweeney, Colorado Public Radio

YouTube

T. Rex, "Mambo Sun"

T. Rex's album opener found them embracing a new phase. After getting their start in the underground U.K. folk scene, Marc Bolan shortened the band's name and retooled their sound, innovating a new style of music. A reaction to the zeitgeist of progressive rock and bubblegum pop, glam had attitude and Bolan was the poster child. Flashy and forthright, the energy of "Mambo Sun" is contagious with its playful melody and laid-back groove. The song is electric, yet funky which compliments Bolan's soft, confident singing. This track declares that T. Rex was no longer digging for inspiration from the past, but pushing boundaries on what was acceptable in popular music. —Alisha Sweeney, Colorado Public Radio

YouTube

James Taylor, "You've Got A Friend"

If ever a song could sound like a sunrise, it's this one. Written by the incredible Carole King (who later released it in '71 on her blockbuster album Tapestry), Taylor's version became his only Billboard No. 1. The song featured Joni Mitchell (who was at the studio helping with the concurrent sessions for both Tapestry and Taylor's Mud Slide Slim and the Blue Horizon) on harmony vocals. Taylor's bassist Leland Sklar said "Hearing that song for the first time kinda took our breath away. It's one of those fabulous songs that really says it all. It brings out the best in humanity." Sklar said the light, airy sound of the recording came from setting up in the studio as a live band. "We came into the studio doing what we had been doing live. There was some leakage in the microphones that we were all totally comfortable with." —Eric Teel, Jefferson Public Radio

YouTube

Ten Years After, "I'd Love to Change the World"

As NPR celebrates 50 years, so do I. I started in radio in 1971 in Pittsburgh at WDVE doing freeform rock. We played a huge span of flavors and textures in that golden age of FM. We could segue from Dave Van Ronk to Black Sabbath, from Carly Simon to Ten Years After. It was all about making the transition work between the songs. The subject matter was everything, too, and utopian dreams and political motivation were favorite topics. Up until this album came out, Ten Years After was known mostly for the smoking hot guitar of Alvin Lee. The band's sixth studio album, A Space In Time, represented a more refined sound and more maturation in lyrical content. "I'd Love To Change The World", became a standard bearer, and is as topical today as it was 50 years ago. —Jessie Scott, WMOT Roots Radio

YouTube

Ike and Tina Turner Revue, "Proud Mary"

Initially penned by John Fogerty and released by his band, Creedence Clearwater Revival, in 1969, "Proud Mary," struck a chord with Tina Turner as soon as she heard it on the radio. The story of a hard-worker in Memphis (near her hometown of Brownsville, Tenn.) who hops a riverboat in search of liberation resonated with Turner. Her professional, and personal, journey was muddied with hardship and abuse at the hands of her husband and musical partner, Ike Turner. Tina was adamant about lending her voice to the song, and her reclamation became the couple's breakout, hitting No. 4 on the Billboard Hot 100 chart in 1971 and earning a Grammy for best R&B vocal group performance. Live, Tina's powerful vocals and signature dance moves transformed the song from a wandering folk-rock foray into a frenetic, soulful explosion. Her fervor left a permanent mark on popular culture, making "Proud Mary" one of the most recognizable songs of all time. —Desiré Moses, WNRN

YouTube

Chiến tranh, "Trống chiến tranh"

Cắt đầu tiên từ hai bên trong album thứ ba của War, "War Drums" là một bài hát được gói trong một bài hát chủ đề trong một tuyên bố sứ mệnh. Sau khi mất ca sĩ chính Eric Burdon sau album trước, bảy thành viên còn lại đã nhân đôi sự tự tin. Khi lời bài hát nằm ngoài, họ đã có những câu trả lời bạn tìm kiếm, nhưng họ sẽ không tiết lộ chúng cho bạn. Có lẽ hầu hết nhiệt tình là Charles Miller, nhiều người nổi tiếng, đầu tiên đáng nhớ trên saxophone, giới thiệu chủ đề đồng nhất với organist Lonnie Jordan, trước khi solo một cách rộng rãi trên "Papa" Dee Allen's Congas và chơi chúng tôi trên Flute. Ai biết sáo có thể khó khăn như vậy? Silvermatt bạc, wrti

YouTube

Ai, "sẽ không bị lừa nữa"

Từ "sử thi" được sử dụng quá mức. Nhưng những từ nào tốt hơn là ở đó để mô tả người "sẽ không bị lừa nữa?" Một bài hát rock dứt khoát, bài hát kêu gọi chúng ta nổi dậy chống lại hiện trạng. Và nó đòi hỏi chúng ta làm cho nó lên. Mỗi lần. Ngay từ đầu, những người tổng hợp đó - trong số các thể loại đầu tiên - nói với chúng tôi rằng một cái gì đó kỳ diệu đang đến. Đàn guitar lái xe của Pete Townshend, với cánh tay cánh quạt của mình, Dives vào, tiếp theo là tiếng trống hưng của Keith Moon nhưng kiểm soát tiếng trống và những dòng bass điên cuồng của John Entwistle. Sau đó, đến lượt Roger Daltrey, giọng nói khàn khàn của anh ấy cảnh báo chúng tôi một sự thay đổi phải đến. Khi chúng ta nghĩ rằng nó đã kết thúc, nó không phải. Sau đó, tiếng hét đó - tiếng hét hoành tráng đó - tuyên bố sự thay đổi mà chúng tôi đã chiến đấu không quan trọng; Có một ông chủ mới, người giống như ông chủ cũ. —Ian Stewart, VPM

YouTube

Bill Withers, "Bàn tay của bà"

Một trong những ca sĩ kiêm nhạc sĩ có tâm hồn nhất đến từ những ngọn đồi West Virginian. Bill Withers được sinh ra ở thị trấn than đá của Slab Fork và được nuôi dưỡng bởi bà của mình, Lula Galloway. Cô nhìn thấy sự nói lắp nghiêm trọng của Withers và đưa anh đến nhà thờ vào các buổi sáng Chủ nhật để hát cùng với dàn hợp xướng. Nhiều năm sau, Withers sẽ tôn vinh bà của anh ấy, một bài hát về sự quyết tâm và niềm vui triệt để của một người phụ nữ được gia đình và cộng đồng của cô ấy yêu mến. Trong khi "Bàn tay của bà '' có thể nhận ra cho những người đứng chân, những cây đàn guitar và bluesy hums (như được lấy mẫu trong bản hit năm 1996 của Blackstreet Bà nữa; Nếu tôi lên thiên đàng, tôi sẽ tìm kiếm bàn tay của bà. "Gần một năm sau khi anh ấy qua đời, chúng tôi chỉ có thể hy vọng héo úa đến cổng ngọc trai để nhận được một cái ôm ấm áp từ người thân yêu của anh ấy.

YouTube

Bill Withers, "không phải là ánh nắng mặt trời"

Nó được bao phủ bởi hàng trăm nghệ sĩ (từ Paul McCartney và Joan Osborne đến Michael Jackson và Hoàng tử), nhưng, ngay cả sau 50 năm, không ai có thể cạnh tranh với Bill Withers và bản gốc năm 1971 của anh ấy là "Ain't No Sunshine". Những gì có thể nói nhiều hơn về người viết nhạc sĩ chuyển đổi nhà máy ở Tây Virginian, người đã làm việc thông qua bệnh hen suyễn và một người lắp bắp để vượt trội trong việc hát 26 lần lặp lại liên tục của cụm từ "Tôi biết?" Và những gì có thể nói nhiều hơn về giai điệu mang tính biểu tượng đánh vào chúng ta một cách thẳng thắn trong ruột mỗi lần những người khô héo xung quanh sự kiềm chế bluesy? Withers vẫn là một lớp học chính trong nghệ thuật đơn giản có hồn. Bộ khuếch đại của WFJoni Deutsch, WFAE

YouTube

Link Wray, "Lửa và Brimstone"

Vào năm 1971, Link Wray hầu hết đã từ bỏ chuyến lưu diễn và đang dành cả ngày để giúp anh trai Vernon ở trang trại của anh ấy ở Accokeek, Md. , được gọi là Shack 3 bài hát của Wray, và bắt đầu làm việc với một album tự tựa cho Link, đó là một sự khởi đầu lớn từ Rockabilly và Surf Rock mà anh ta được biết đến. "Fire và Brimstone" là một trong những điểm nổi bật của album và đã trở thành một trong những bài hát xác định của thể loại đồng quê. Guitar guitar acoustic và slide của nó với nhau như móng tay trên kim loại và Wray nghe giống như một người thuyết giáo backwoods ganh đua vì sự chú ý của bất cứ ai sẽ lắng nghe anh ta nhớ lại giấc mơ khải huyền mà anh ta có đêm qua. Bỏng -Brian, Wunc

YouTube

Yusuf/Cat Stevens, "Tàu hòa bình"

Khi tôi bước sang tuổi 6, tôi đã quen thuộc với Cat Stevens (người hiện đang đi bằng Yusuf sau khi chuyển đổi sang Hồi giáo). Tea cho Tillerman đã chơi lặp lại trên người chơi 8 bài hát của chúng tôi trên đường để bơi. Vì vậy, khi chúng tôi xuất hiện trong Teaser và Firecat, "Tàu Hòa bình", với cây đàn guitar bắt chước các đường ray xe lửa, ngay lập tức đánh tôi như một thứ tôi có thể hát theo. . Bài hát - lần đầu tiên anh tham gia bảng quảng cáo Top 10 ở Hoa Kỳ - đã chia sẻ danh sách với một bài hát hòa bình khác, "Imagine" của John Lennon. —Ian Stewart, VPM

Bài hát lớn nhất năm 1971 là gì?

Những bài hát hàng đầu năm 1971 là gì?

40 bài hát hàng đầu năm 1971 là gì?

Những bài hát rock hàng đầu năm 1971 là gì?